Une plateforme de diffusion de la création française 9 créations ou spectacles récents

Focus danse est à la fois un espace de dialogue international dévolu à la danse et une plateforme de diffusion pour l’art chorégraphique. Fort de la réussite de la première édition en septembre 2008, l’ambition est de renouveler et renforcer ce forum international de la danse en 2010.

Focus danse est un modèle de réussite collective dans le secteur culturel. Imaginé par la Biennale de la danse et Culturesfrance, Focus danse repose sur des partenariats avec des structures de référence dans le champ des ressources professionnelles pour la culture et la scène chorégraphique en particulier : le Centre national de la danse (CND), l’Office national de diffusion artistique à Paris (Onda), la Nouvelle Agence Culturelle Régionale Rhône-Alpes à Lyon (NACRe).

Du 22 au 26 septembre 2010, Focus danse a réuni à Lyon 400 directeurs de salles de spectacle et de festivals du monde entier et en particulier d’Asie et d’Europe avec le soutien des services culturels des Ambassades de France et de Culturesfrance. Pendant quatre jours, débats, ateliers et rencontres entre artistes et professionnels ont interrogé le regard que la danse contemporaine pose sur le monde. Un parcours sur mesure dans le programme de la Biennale de la danse de Lyon donne un aperçu de l’actualité de la création chorégraphique “ made in France ” en offrant aux artistes un tremplin pour l’international.

Un projet initié par Culturesfrance et la Biennale de la danse de Lyon, en partenariat avec le Centre national de la danse, l’Onda (Office national de diffusion artistique), la NACRe Rhône-Alpes et les services culturels des Ambassades de France. Avec le soutien du Ministère de la culture et de la communication.

Focus danse is both an international forum de- voted to dance and a platform for disseminating choreographic art. Encouraged by the success of the first edition in September 2008, we aim to renew and strengthen this international dance event in 2 010.

Focus danse is a model of collective success in the cultural sector. Devised by the Lyon Dance Biennale and Culturesfrance, Focus danse is based on partnerships with organisations that set the standard in providing professio- nal resources for culture, and especially for choreographic art : the national dance Centre (CND), the National Office for Contemporary Performing Arts Circulation (Onda) in Paris, and the New Cultural Agency for the Rhône-Alpes Region (NACRe) in Lyon.

From 22-26 September 2010, Focus danse with bring together in Lyon some 400 venue and festival directors from across the world, and primarily from Asia and Europa, invited by French embassies’ cultural departments and Culturesfrance. Four days of debates, workshops and encounters between artists and professionals explore

d contemporary dance’s worldview. A tailored trail through the Lyon Dance Biennale programme will provide a snapshot of current French choreographic creation, thus offering artists an international springboard.

A project initiated by Culturesfrance and the Lyon Dance Biennale, in partnership with the National Dance Centre (CND), the National office for Contemporary Performing Art Circulation (Onda), the New Regional Cultural Agency (NACRe) in Rhône-Alpes, and the cultural affairs departments of France’s embassies. With the support of the Ministry of Cuture and Communications.

spectacles / shows

Pièce pour 5 acrobates - Création 2010

S’il n’est pas chorégraphe, Mathurin Bolze fait partie de ces artistes atypiques qui échappent aux catégories. Formé aux arts du cirque, il est de ces inventeurs du mouvement dont il partage certains fondamentaux : l’espace, le corps, la virtuosité et la question du vivre ensemble. Son projet poétique, Du goudron et des plumes, est un objet de méta- phore, de rencontres, un prétexte à s’élancer. Tout est propice à l’invention pour cette étrange fratrie, errante et rescapée, dont on ne sait quelle tempête l’a conduit sur cette embarcation incertaine, vais- seau en transformation – curieux objet scénogra- phique, table esquif, plateforme à échasses – surtout pensé comme un véhicule des aventures humaines.

Trained in circus arts but uncategorisable, Mathurin Bolze is concerned with space, virtuosity, the body and the question of living together. In this metaphor of human adventure, a strange band of five wanderers, survivors of an unknown storm, invent ceaselessly on a hazardous vessel in the throes of transformation. Bewitchingly lit, and apparently adrift between sky and earth, it attracts, captures, propels and uns- teadies the acrobats. A tale about all those who struggle to keep their feet on reality’s uncertain ground.

Pièce pour 2 danseurs et 1 voix - Création 2 010

Qui est l’homme de l’Atlantique ? Avec un art certain pour le travestissement, le chorégraphe Olivier Dubois et sa complice Marion Lévy s’engagent dans l’aventure : cerner de plus près les multiples facettes 

d’une idole du passé. Portrait intime d’une star maisaussi réminiscence d’une période particulière, la pièce se construit sur l’ambiguïté. La vie et la carrière du crooner adulé, acteur inoubliable, est revisitée à l’aune du corps. Frank Sinatra, autrement surnommé Blue eyes, n’était-il pas d’abord une présence ? C’est l’outrance du phénomène qui intéresse Olivier Dubois. Comment danser encore à l’image du talent et de ses ombres ?

At once star portrait and fifties reminiscence, this ambiguous piece seeks to shed light on the many facets of Frank Sinatra. It revisits the life of the unforgettable crooner and actor through the body – for after all, wasn’t “ol’ Blue eyes” pri- marily a presence? The awesome staging – grand staircase, glistening horn section, nYC ballroom ambience – is filled with objects : 150 evening outfits, life-sized dolls... How can dance render talent and its shadows? The choreographers take us on that journey, from dreams to oblivion.

ENSEMBLE L’ABRUPT

Pièce pour 5 danseurs - Création 2009

Un homme et une femme en duo : Lointain. Puis, deux femmes, côte à côte, les pieds rivés au sol, scandant un même mouvement, le visage sans cesse transformé : Luisance. Enfin un film, projeté sur un tulle, plan rapproché sur deux corps mas- culins enchevêtrés : Lacis. Ces trois pièces courtes composent une variation charnelle brillamment interprétée entre ombres et lumières. La danse, pleine, lente, sensuelle, répond aux partitions musicales choisies: contemplation poétique et puissance émotionnelle sur un extrait du Tristan et Ysolde de Wagner ; représentations du corps féminin à travers le temps sur la musique de Bach ; image et mouvements entrelacés sur une étude de Mozart.

Three short physical variations brilliantly performed in shade and light : a male-female duet ; two women rooted to the spot, cutting one figure, their faces continually transformed ; and lastly, a filmed close-up of two entwined male bodies. The brown and moiré tones call baroque art to mind. The dancing - full, slow, sensual – responds to Wagner’s Tristan and Isolde, Bach, and a Mozart etude. Playing with clichés, Alban Richard shifts gradually from dance to image. The movement enthrals the gaze, spreading like a mystery.

Pièce pour 10 danseurs - Création 2010

Depuis sa fondation dans le creuset du mouvement hip-hop en 1996, S’poart a su garder intact son désir d’une danse en constante évolution basée sur la performance.La compagnie et les créations sont un espace d’expression, d’initiatives et de rencontres. Poursuivant le travail sur les matériaux, l’architec- ture et le corps qui a donné son univers particulier à leur précédent spectacle, in Vivo, S’poart élargit son équipe et entre dans une autre dimension avec Na Grani. Le projet singulier du chorégraphe Mickaël Le Mer se fonde sur un voyage marquant à Ekaterinbourg. Son histoire particulière et les dan- seurs qu’il y a rencontrés ont ouvert la voie de ce nouveau spectacle. Labeur poétique, en résonance avec la mémoire des corps, forgé par l’exploration des limites et frontières du geste, mais aussi par la richesse des différences que chacun porte en soi.

Founded in the hip-hop crucible in 1996, S’poart is still dedi- cated to ever-evolving, performance-based dance. Continuing the work on materials, architecture and the body in its pre- vious show in Vivo, Mickaël le Mer’s singular piece Na Grani stems from his trip to Yekaterinburg, an industrial city in the Russian urals ; from its history and the dancers he met there. The piece resonates with bodies’ memories, exploring the limits and frontiers of gesture but also the wealth of diffe- rence in each of us.

Direction artistique et chorégraphie : Mickaël Le Mer

Spectacle créé dans le cadre de l’Année France-Russie 2 010

Pièce pour 3 danseurs et 2 musiciennes - Création 2010

Le titre mystérieux de la pièce d’Annabelle Bonnéry suggère la danse à venir. Corps dansants, corps sonores émanent d’un espace particulier et s’expri- ment dans le dessin abstrait de l’entredeux. Univers spécialement créé pour deux formes artistiques étroitement liées depuis leur origine : la danse et la musique. Le projet explore les nouvelles possibilités de ce dialogue. Sur scène, trois danseurs et deux musiciennes de talent aux percussions et à l’accor- déon. Ce processus d’écriture met en lumière les questions d’altérité, de tentative d’échange et de communication dans ce qu’elles proposent à voir et à vivre entre les cinq interprètes.

Annabelle Bonnéry’s stageworld here specially suits artis- tic forms that have always been closely linked : dance and music. With a sound designer and the composer Sébastian Rivas, she explores the new possibilities of the dance-music dialogue. On stage : three dancers (herself included) and two musicians (percussion and accordion). The dancers’ sensors allow music and gestures to be recorded and reproduced, or to flow live. Her vivid, alert dance seems able to capture improbable bonds that yield a rich imagined realm of movement.

Direction artistique : Annabelle Bonnéry et Sébastian Rivas

Danseurs : Annabelle Bonnéry, Marie Fonte, Ivo Bärtsch - Musiciennes : Yi-Ping Yang (percussions), Christine Paté (accordéon) - Musique vivante : Sébastian Rivas - Ingénierie et réalisation infor- matique musicale : Christophe Lebreton - Création costumes : Kathy Brunner - Création lumières : Elodie Llinares, François DeneulinProduction : Biennale de la danse de Lyon, Grame, centre national de création musicale, Compagnie Lanabel - Avec le soutien de : Institut Franco- Portugais de Lisbonne, Le Pacifique|Centre de Développement Chorégraphique (Grenoble), Cité des Arts (Chambéry), Ville de Saint-Etienne, O Espaço do Tempo/Montemor-o-Novo (Portugal), Movea, Région Rhône-Alpes, Département de l’Isère - Grame, centre national de création musicale est en convention avec le Ministère de la Culture et de la communication, Région Rhône-Alpes, Ville de Lyon

Solo - Création 2010

Les précédentes pièces de Donata d’Urso sont de véritables sculptures organiques, abstraites et mouvantes qui s’éla- borent presque imperceptiblement sous nos yeux. L’artiste d’origine sicilienne a engagé son propre travail à partir du corps. Sa démarche proche des arts plastiques est centrée sur une même énergie intériorisée. À l’écart de la figure humaine et de ses représentations, ce geste de déconstruc- tion opère dans la nudité. Le corps devient alors une matière à explorer. Strata poursuit ces recherches et puise au monde poétique d’une figure, la membrane, ses paysages élastiques, sans cesse transfigurés. À l’aide d’un tissu particulier, dit “morphogénique “ – chaque impact du toucher y laisse son empreinte –, Maria Donata d’Urso, entre dans la lente démesure du vivant.

Donata d’Urso’s previous pieces are organic, abstract, moving sculptures that materialise almost imperceptibly before us. The Sicilian former dancer is akin to a visual artist : eschewing figuration, she deconstructs and deforms the “material” of her naked body. Strata continues this investigation. using a special “morphogenic” fabric – each touch leaves a trace – d’Urso draws on an astonishing stock of images to invent other habitable forms, which offer suggestive and sensation-rich interactions.

Pièce pour 14 danseurs et 2 musiciens - Création 2 010

Sont-ils sur la plage, en bateau, dans un bar ou un aquarium? Si l’énigme reste entière, l’immersion en tout cas est certaine. Toutes les palettes du bleu, de la mer scintillante aux dégradés du ciel convient le public à cette plongée dans les fonds de l’image, les eaux troubles des séries noires. Le projet de Nasser Martin-Gousset est au spectacle ce que la nuit américaine est au cinéma. Sur le plateau, on tourne. Et le plein jour se travestit en scène noc- turne. Si Pacifique voit la vie en bleu, avec une tâche de rouge, les intentions de son créateur ne sont peut-être pas aussi tranquilles que le titre le laisse entendre. Dans un décor qui revisite costumes et design des années 70, les interprètes se racontent des histoires, de Bond, James Bond...

Is the stage a beach, boat, bar or aquarium ? The enigma stays intact. But the audience, invited to dive deep into the picture, are totally immersed. Pacifique, a show équivalent to cinematic day-for-night, perhaps has a less tranquil undercurrent than its title suggests. Fluid and disturbing, water conceals mysteries ; so do group relationships. In a set that revisits ‘70s costumes and design, roleplay, masks and appearances yield incongruous and offbeat situations as the performers tell tales, some about James Bond.

Pièce pour 4 danseurs - Création 2 010

Corps voué à l’effacement. Danse centrée, ouverte, intense et pourtant minimale, c’est tout le mouvement qui anime les chorégraphies de cette artiste d’origine algérienne. À l’écart des modes et des formes spectaculaires, Nacera Belaza a développé avec sa sœur et d’autres complices de création un chemin bien à elle. Dans ce nouveau projet, la chorégraphe poursuit sa recherche. Elle réinterroge son propre geste en le confrontant à celui d’artistes interprètes issus d’une autre conception du mouvement. Dialoguer, éprouver ce qui nous réunit, donner à ressentir une danse au plus proche du public, tel est le pari de cette rencontre et de l’urgence de sa création. Une expérience sensible, profonde et sans fard.

Centred, open, intense and yet minimal : such is the abstract dance of this Algerian-born artist, who has always travelled her own path, eschewing the spectacular. Her austere, paroxystic movement carries an emotional power equal to that of music. In this new project, she compares her gestural language with that of artist-performers who conceive differently of movement, in a dialogue that yields dance acutely felt by the audience. A profound, unvarnished experience about incorporating otherness.

Pièce pour 4 danseurs - Création 2004

Marcheurs poétiques des étendues, les interprètes de Daniel Larrieu, chorégraphe des paysages, tiennent le public en haleine. Mais pas de tension dans cette approche. De l’abandon, juste le temps de renouer avec le temps, celui du corps, de l’écoute et du regard. Si le projet Marche, Danses de Verdure n’est pas nouveau, il se déplace et se réinvente spécifiquement pour chaque lieu traversé, investi par la danse et ses spectateurs promeneurs. Accents légers, poses déli-cates, respiration en profondeur, doux travail de conscience et d’éveil accompagnent chaque pas et séquence chorégraphiée en extérieur. Comme dans les contes, il y a ce drôle de travail de ressenti qui rapproche les humains du monde végétal.

When the performers of landscape choreographer Daniel Larrieu walk poetically in open spaces, the audience holds its breath. But in this approach, there is no tension ; rather, a mood of abandon, for just long enough to reconnect with body-time, with listening and watching. Although Marche, Danses de Verdure is not a new project, it reinvents itself in each fresh outdoor venue graced by its dance and strolling spectators. Subtle inflections, delicate poses, deep breaths, and gentle work on awareness and awakening accompany each choreographed step and sequence

All Focus danse participants are invited to come and connect at a “speed dating” session. A table, two chairs, five minutes – that’s the deal for this express appointment with professionals from around the world, on a four-day stay in Lyon. This entertaining, informal format will allow initial contacts and give access to the networks of all Focus danse participants in just a few minutes !

Les années quatre-vingt ont vu s’amorcer un virage important dans l’histoire de la danse. La nouvelle danse, se réclamant d’une esthétique innovatrice et de formes d’organisation tout autant inusitées, s’est rapidement propagée en Occident, se cristallisant tour à tour dans divers pays au fur et à mesure que surgissait une nouvelle génération de chorégraphes. Dès les années quatre-vingt-dix, ce phénomène s’est propagé à travers tous les continents, coïncidant avec l’émergence d’une danse sensiblement plus ouverte à des formes performatives proches des arts plastiques. Cette danse “ éten- due ” s’est trouvée non seulement à traverser les frontières géographiques du monde, mais elle s’est élargie à une pensée marquée par la mondialisation et les nouvelles technologies. Ce qui s’est passé dans ces décennies relève de ce que l’on peut appeler une dé-territorialisation de la danse, marquée par une sortie des canons hérités du passé et de l’hégémonie des “ grandes ” capitales artistiques qui ont dominé le vingtième siècle (Paris, Berlin, New York...). On peut dire que la dé-territorialisation s’est accompagnée d’une re-territorialisation “ décloisonnée ” de la danse. Ce débat propose d’approfondir ce double mouvement.

Débat préparé par L. Barré et C. Pontbriand Intervention et modération : C. Pontbriand

Chantal Pontbriand, critique d’art et commissaire, est directrice-fondatrice de la revue d’art contemporain Parachute. Après avoir étudié l’histoire de l’art, la littérature comparée et l’administration de l’art à l’uni- versité du Québec à Montréal, elle suit les séminaires de L. Marin et de J-F. Lyotard à Montréal. Après avoir collaboré à diverses revues canadiennes et étrangères, dont Artscanada, Vie des Arts et Flashart, elle fonde Parachute en 1975. La revue contribue à renouveler le discours de la critique d’art, s’appuyant sur les nouvelles formes d’art et leurs fondements théoriques apparus dans les années soixante-dix : performance, installation, nouveaux médias, photographie. De 1982 à 2003, elle a dirigé le FIND (Festival international de nouvelle danse) à Montréal. En 2009, elle a été commissaire invitée au Jeu de Paume pour HF|RG [Harun Farocki | Rodney Graham]. Parmi ses projets d’expositions en cours, Chantal Pontbriand prépare actuellement The Yvonne Rainer Project.

The 1980s witnessed a major shift in dance history. The new dance – claiming ground- breaking aesthetics and equally novel orga- nisational forms – spread quickly in the West and crystallised in country after country as a new generation of choreographers emerged. In the ‘90s, this phenomenon moved across every continent, coinciding with the advent of dance that was considerably more open to forms of performance akin to the visual arts. This “expanded dance” not only spanned the world’s geographical boundaries ; it embraced a kind of thinking informed by globalisation and new technology. What happened during these decades can be described as the de-territoriali- sation of dance : artists conspicuously shunned inherited grammars and the hegemony of the “leading” artistic capitals that had dominated the 20th century (Paris, Berlin, New York, etc.). It can be said that de-territorialisation was accompanied by a “decompartmentalised” re- territorialisation of dance. This debate proposes to explore the two movements in greater depth.

Round table prepared by Laurent Barré and Chantal Pontbriand. Speaker and moderator : Chantal Pontbriand.

Chantal Pontbriand, art critic and curator, is the foun- ding director of contemporary art magazine Parachute. After studying art history, comparative literature and arts administration at the University of Quebec in Montreal, she attended the seminars of Louis Marin and Jean-François Lyotard in Montreal. While still a student, she began working as a critic and curator. After contributing to various titles in Canada and beyond, including Artscanada, Vie des Arts and Flashart, she founded Parachute in 1975. The magazine has helped to renew the discourse of art criticism, drawing on the new art forms that emerged in the ‘70s – perfor- mance, installation, new media, photography – and their theoretical foundations. From 1982-2003 she directed FIND (international festival of new dance) in Montreal. Her publications include Fragments critiques (Éditions Jacqueline Chambon, 1998) and Communauté et gestes (Éd. Parachute, 2000). In 2009 she was guest curator at the Jeu de Paume, Paris, for the “HF| RG” exhibition on Harun Farocki and Rodney Graham. Chantal Pontbriand’s current exhibition ventures include The Yvonne Rainer Project.

Un corps, le vôtre. Un esprit ouvert et disponible, le vôtre. Une tenue confortable à prévoir dans sa valise. Une heure trente de sensations nouvelles à découvrir, à explorer, à expérimenter. Une heure trente durant laquelle un intervenant vous invite à appréhender autrement la danse en passant par la conscience du mouvement : votre propre mouvement et celui des autres. Une heure trente de mise entre parenthèses pour ” déverrouiller ” nos perceptions visuelles et puiser dans votre potentiel corporel. Intérieurs ou extérieurs, les lieux des ateliers sauront vous surprendre.

A body, yours. An open, receptive mind – yours. A comfortable outfit (be sure to pack it !). Ninety minutes of new sensations to discover, explore and experiment with. Ninety minutes during which a tutor will invite you to apprehend dance differently, through awareness of movement : your own movement and that of others. A ni- nety-minute parenthesis to “unlock” your visual perceptions and tap your body’s potential. The workshop venues will be held in surprising indoor and outdoor locations.

Professionnels internationaux :