FOCUS Danse 2010

Une plateforme de diffusion de la création française 9 créations ou spectacles récents

Un espace de dialogue international pour la danse
4 jours d’échanges avec des professionnels du monde entier

Focus danse est à la fois un espace de dialogue international dévolu à la danse et une plateforme de diffusion pour l’art chorégraphique. Fort de la réussite de la première édition en septembre 2008, l’ambition est de renouveler et renforcer ce forum international de la danse en 2010.

Focus danse est un modèle de réussite collective dans le secteur culturel. Imaginé par la Biennale de la danse et Culturesfrance, Focus danse repose sur des partenariats avec des structures de référence dans le champ des ressources professionnelles pour la culture et la scène chorégraphique en particulier : le Centre national de la danse (CND), l’Office national de diffusion artistique à Paris (Onda), la Nouvelle Agence Culturelle Régionale Rhône-Alpes à Lyon (NACRe).

Du 22 au 26 septembre 2010, Focus danse a réuni à Lyon 400 directeurs de salles de spectacle et de festivals du monde entier et en particulier d’Asie et d’Europe avec le soutien des services culturels des Ambassades de France et de Culturesfrance. Pendant quatre jours, débats, ateliers et rencontres entre artistes et professionnels ont interrogé le regard que la danse contemporaine pose sur le monde. Un parcours sur mesure dans le programme de la Biennale de la danse de Lyon donne un aperçu de l’actualité de la création chorégraphique “ made in France ” en offrant aux artistes un tremplin pour l’international.

Un projet initié par Culturesfrance et la Biennale de la danse de Lyon, en partenariat avec le Centre national de la danse, l’Onda (Office national de diffusion artistique), la NACRe Rhône-Alpes et les services culturels des Ambassades de France. Avec le soutien du Ministère de la culture et de la communication.

 

A platform for disseminating new French work 9 premieres and recent pieces
An international dance forum
4 days of dialogue with professionals from around the world

Focus danse is both an international forum de- voted to dance and a platform for disseminating choreographic art. Encouraged by the success of the first edition in September 2008, we aim to renew and strengthen this international dance event in 2 010.

Focus danse is a model of collective success in the cultural sector. Devised by the Lyon Dance Biennale and Culturesfrance, Focus danse is based on partnerships with organisations that set the standard in providing professio- nal resources for culture, and especially for choreographic art : the national dance Centre (CND), the National Office for Contemporary Performing Arts Circulation (Onda) in Paris, and the New Cultural Agency for the Rhône-Alpes Region (NACRe) in Lyon.

From 22-26 September 2010, Focus danse with bring together in Lyon some 400 venue and festival directors from across the world, and primarily from Asia and Europa, invited by French embassies’ cultural departments and Culturesfrance. Four days of debates, workshops and encounters between artists and professionals explore

d contemporary dance’s worldview. A tailored trail through the Lyon Dance Biennale programme will provide a snapshot of current French choreographic creation, thus offering artists an international springboard.

A project initiated by Culturesfrance and the Lyon Dance Biennale, in partnership with the National Dance Centre (CND), the National office for Contemporary Performing Art Circulation (Onda), the New Regional Cultural Agency (NACRe) in Rhône-Alpes, and the cultural affairs departments of France’s embassies. With the support of the Ministry of Cuture and Communications.

 

 

 

spectacles / shows

 

COMPAGNIE MPTA
Mathurin Bolze
Du goudron et des plumes

Pièce pour 5 acrobates - Création 2010

S’il n’est pas chorégraphe, Mathurin Bolze fait partie de ces artistes atypiques qui échappent aux catégories. Formé aux arts du cirque, il est de ces inventeurs du mouvement dont il partage certains fondamentaux : l’espace, le corps, la virtuosité et la question du vivre ensemble. Son projet poétique, Du goudron et des plumes, est un objet de méta- phore, de rencontres, un prétexte à s’élancer. Tout est propice à l’invention pour cette étrange fratrie, errante et rescapée, dont on ne sait quelle tempête l’a conduit sur cette embarcation incertaine, vais- seau en transformation – curieux objet scénogra- phique, table esquif, plateforme à échasses – surtout pensé comme un véhicule des aventures humaines.

Trained in circus arts but uncategorisable, Mathurin Bolze is concerned with space, virtuosity, the body and the question of living together. In this metaphor of human adventure, a strange band of five wanderers, survivors of an unknown storm, invent ceaselessly on a hazardous vessel in the throes of transformation. Bewitchingly lit, and apparently adrift between sky and earth, it attracts, captures, propels and uns- teadies the acrobats. A tale about all those who struggle to keep their feet on reality’s uncertain ground.

Conception : Mathurin Bolze Assistante à la mise en scène : Marion Floras
Acrobates : Tsirihaka Harrivel, Tom Neal, Maroussia Diaz Verbèke, Erwan Ha Kyoon Larcher, Mathurin Bolze - Scénographie : Goury - Musique : Philippe Foch, Jérôme Fêvre - Création lumières : Jérémie Cusenier, Christian Dubet - Création costumes : Fabrice Ilia Leroy - Ingénierie, construction : Art & Oh/le Bureau d’étude des artistes, Side up concept, Philippe Cottais - Régies : Frédéric Marolleau (pla- teau), Jérôme Fèvre (régie générale, son), Jérémie Cusenier (lumières) - Administration de production et diffusion : Colin Diederichs, Julie Grange - Remerciements : Hédi Thabet
Coproduction: La Brèche, Les Subsistances, L’Agora (Boulazac), Le Parc de la Villette (Paris), La Verrerie d’Alès en Cévennes / PNCLR, le Cratère-Scène Nationale d’Alès, Théâtre des Salins-Scène Nationale de Martigues, Théâtre National de Bretagne (Rennes), Scène nationale 61 (Alençon), Grand Théâtre de Lorient, Le Trident-Scène Nationale de Cherbourg- Octeville - Avec le soutien de : Ministère de la Culture et de la communication, Ville de Lyon, Culturesfrance (pour ses tournées à l’étranger), Région Rhône-Alpes dans le cadre de l’appel à projet spectacle vivant - Accueil en résidence : La Brèche, Les Subsistances, Maison des arts du clown et des arts du Cirque- La Cascade - La compagnie est conventionnée par la DRAC et la Région Rhône-Alpes - Accueil : Le Toboggan, Biennale de la danse de Lyon

 

Olivier Dubois

L’homme de l’Atlantique

Pièce pour 2 danseurs et 1 voix - Création 2 010

Qui est l’homme de l’Atlantique ? Avec un art certain pour le travestissement, le chorégraphe Olivier Dubois et sa complice Marion Lévy s’engagent dans l’aventure : cerner de plus près les multiples facettes 

d’une idole du passé. Portrait intime d’une star maisaussi réminiscence d’une période particulière, la pièce se construit sur l’ambiguïté. La vie et la carrière du crooner adulé, acteur inoubliable, est revisitée à l’aune du corps. Frank Sinatra, autrement surnommé Blue eyes, n’était-il pas d’abord une présence ? C’est l’outrance du phénomène qui intéresse Olivier Dubois. Comment danser encore à l’image du talent et de ses ombres ?

At once star portrait and fifties reminiscence, this ambiguous piece seeks to shed light on the many facets of Frank Sinatra. It revisits the life of the unforgettable crooner and actor through the body – for after all, wasn’t “ol’ Blue eyes” pri- marily a presence? The awesome staging – grand staircase, glistening horn section, nYC ballroom ambience – is filled with objects : 150 evening outfits, life-sized dolls... How can dance render talent and its shadows? The choreographers take us on that journey, from dreams to oblivion.

Création : Olivier Dubois Assistant à la création : Cyril Accorsi
Ecriture chorégraphique et interprétation : Olivier Dubois, Marion Lévy - Musique : Frank Sinatra - Arrangements musicaux : François Caffene - Création lumières : Patrick Riou - Création costumes : Cédrick Debeuf - Régie générale : Séverine Combes - Production administration : Béatrice Horn
Production: COD - Coproduction: Biennale de la danse de Lyon, Théâtre National de Chaillot, L’Apostrophe-Scène nationale de Cergy-Pontoise et du Val d’Oise, NEXT Festival, Théâtre des Salins-Scène nationale de Martigues, Le Prisme / Saint-Quentin- en-Yveline, Ménagerie de Verre - Avec le soutien de : DRAC Ile-de-France, Centre National de la Danse (prêt des studios), Atelier de Paris - Carolyn Carlson (prêt des studios) - Accueil : Théâtre de la Renaissance, Biennale de la danse de Lyon

 

 

ENSEMBLE L’ABRUPT
Alban Richard
Trois études de séparation Lointain - Luisance - Lacis

Pièce pour 5 danseurs - Création 2009

Un homme et une femme en duo : Lointain. Puis, deux femmes, côte à côte, les pieds rivés au sol, scandant un même mouvement, le visage sans cesse transformé : Luisance. Enfin un film, projeté sur un tulle, plan rapproché sur deux corps mas- culins enchevêtrés : Lacis. Ces trois pièces courtes composent une variation charnelle brillamment interprétée entre ombres et lumières. La danse, pleine, lente, sensuelle, répond aux partitions musicales choisies: contemplation poétique et puissance émotionnelle sur un extrait du Tristan et Ysolde de Wagner ; représentations du corps féminin à travers le temps sur la musique de Bach ; image et mouvements entrelacés sur une étude de Mozart.

Three short physical variations brilliantly performed in shade and light : a male-female duet ; two women rooted to the spot, cutting one figure, their faces continually transformed ; and lastly, a filmed close-up of two entwined male bodies. The brown and moiré tones call baroque art to mind. The dancing - full, slow, sensual – responds to Wagner’s Tristan and Isolde, Bach, and a Mozart etude. Playing with clichés, Alban Richard shifts gradually from dance to image. The movement enthrals the gaze, spreading like a mystery.

Direction artistique : Alban Richard Assistante chorégraphique : Daphné Mauger
Danseurs : Mélanie Cholet, Max Fossati, Laurie Giordano, Céline Angibaud, David Lerat - Son : Félix Perdreau – Musique : Lointain / Richard Wagner, Luisance / Johann Sebastian Bach, Lacis / W.A. Mozart - Création costumes : Corine Petitpierre - Création lumières : Valérie Sigward - Réalisateur : Lacis / Xavier Bäert - Administration : Le 26 - Dominique Mahé
Lointain et Luisance Production: ensemble l’Abrupt- Co-production : Le Forum du Blanc-Mesnil - Avec le soutien du : Conseil général de Seine- Saint-Denis - Lacis / Production: ensemble l’Abrupt - Coproduction: Le Forum du Blanc-Mesnil, Arts 276/ Festival Automne en Normandie, CCN du Havre Haute- Normandie - Avec le soutien : Conseil général de Seine- Saint-Denis, Le Triangle (Scène conventionnée danse à Rennes) (prêt de studio) - Remerciements : Jean-Claude Dodin, directeur de l’école nationale de musique de Blois - L’ensemble l’Abrupt est soutenu par la DRAC Ile-de-France au titre de l’aide aux com- pagnies et bénéficie du soutien de Culturesfrance pour ses tournées à l’étranger

 

COMPAGNIE S’POART
Mickaël Le Mer
Na Grani

Pièce pour 10 danseurs - Création 2010

Depuis sa fondation dans le creuset du mouvement hip-hop en 1996, S’poart a su garder intact son désir d’une danse en constante évolution basée sur la performance.La compagnie et les créations sont un espace d’expression, d’initiatives et de rencontres. Poursuivant le travail sur les matériaux, l’architec- ture et le corps qui a donné son univers particulier à leur précédent spectacle, in Vivo, S’poart élargit son équipe et entre dans une autre dimension avec Na Grani. Le projet singulier du chorégraphe Mickaël Le Mer se fonde sur un voyage marquant à Ekaterinbourg. Son histoire particulière et les dan- seurs qu’il y a rencontrés ont ouvert la voie de ce nouveau spectacle. Labeur poétique, en résonance avec la mémoire des corps, forgé par l’exploration des limites et frontières du geste, mais aussi par la richesse des différences que chacun porte en soi.

Founded in the hip-hop crucible in 1996, S’poart is still dedi- cated to ever-evolving, performance-based dance. Continuing the work on materials, architecture and the body in its pre- vious show in Vivo, Mickaël le Mer’s singular piece Na Grani stems from his trip to Yekaterinburg, an industrial city in the Russian urals ; from its history and the dancers he met there. The piece resonates with bodies’ memories, exploring the limits and frontiers of gesture but also the wealth of diffe- rence in each of us.

Direction artistique et chorégraphie : Mickaël Le Mer

Spectacle créé dans le cadre de l’Année France-Russie 2 010

Danseurs russes : Artem Orlov, Alexander Frolov, Konstantin Kudrin, Ekaterina Milyutina, Anna Shchekleina – Danseurs français : Thomas Badreau, David Normand, Thibaut Trilles, Dara You, Mélissa Cirillo - Chorégraphe assistant : Thibaut Trilles - Création lumières : Nicolas Tallec - Musique : Julien Camarena - Photographie : Nathacha Maraud
Producteur délégué : Compagnie S’poart - Coproductions et soutiens engagés : Initiatives d’Artistes en Danses Urbaines (Parc de la Villette), Biennale de la danse de Lyon, CNDC d’Angers, Scène nationale le Grand R de la Roche-Sur-Yon, Théâtre du Jardin de Verre de Cholet, CND de Pantin, Culturesfrance, Conseil Régional des Pays de la Loire, l’Alliance Française à Ekaterinbourg (Russie), la Ville de la Roche-Sur-Yon - Diffusion : Grand Ensemble - Accueil en résidence : Suresnes Cités Danses - Accueil : Espace Albert Camus / Bron, Théâtre de la Croix-Rousse, une Maison du peuple 2.0, Biennale de la danse de Lyon
La Caisse d’épargne Rhône-Alpes soutient la program- mation russe de la Biennale de la danse dans le cadre de l’Année France-Russie.

 

COMPAGNIE LANABEL ET GRAME
Annabelle Bonnéry
Corps déployés ou l’éventualité improbable

Pièce pour 3 danseurs et 2 musiciennes - Création 2010

Le titre mystérieux de la pièce d’Annabelle Bonnéry suggère la danse à venir. Corps dansants, corps sonores émanent d’un espace particulier et s’expri- ment dans le dessin abstrait de l’entredeux. Univers spécialement créé pour deux formes artistiques étroitement liées depuis leur origine : la danse et la musique. Le projet explore les nouvelles possibilités de ce dialogue. Sur scène, trois danseurs et deux musiciennes de talent aux percussions et à l’accor- déon. Ce processus d’écriture met en lumière les questions d’altérité, de tentative d’échange et de communication dans ce qu’elles proposent à voir et à vivre entre les cinq interprètes.

Annabelle Bonnéry’s stageworld here specially suits artis- tic forms that have always been closely linked : dance and music. With a sound designer and the composer Sébastian Rivas, she explores the new possibilities of the dance-music dialogue. On stage : three dancers (herself included) and two musicians (percussion and accordion). The dancers’ sensors allow music and gestures to be recorded and reproduced, or to flow live. Her vivid, alert dance seems able to capture improbable bonds that yield a rich imagined realm of movement.

Direction artistique : Annabelle Bonnéry et Sébastian Rivas

Danseurs : Annabelle Bonnéry, Marie Fonte, Ivo Bärtsch - Musiciennes : Yi-Ping Yang (percussions), Christine Paté (accordéon) - Musique vivante : Sébastian Rivas - Ingénierie et réalisation infor- matique musicale : Christophe Lebreton - Création costumes : Kathy Brunner - Création lumières : Elodie Llinares, François DeneulinProduction : Biennale de la danse de Lyon, Grame, centre national de création musicale, Compagnie Lanabel - Avec le soutien de : Institut Franco- Portugais de Lisbonne, Le Pacifique|Centre de Développement Chorégraphique (Grenoble), Cité des Arts (Chambéry), Ville de Saint-Etienne, O Espaço do Tempo/Montemor-o-Novo (Portugal), Movea, Région Rhône-Alpes, Département de l’Isère - Grame, centre national de création musicale est en convention avec le Ministère de la Culture et de la communication, Région Rhône-Alpes, Ville de Lyon

 

COMPAGNIE DISORIENTA
Maria Donata d’Urso
Strata

Solo - Création 2010

Les précédentes pièces de Donata d’Urso sont de véritables sculptures organiques, abstraites et mouvantes qui s’éla- borent presque imperceptiblement sous nos yeux. L’artiste d’origine sicilienne a engagé son propre travail à partir du corps. Sa démarche proche des arts plastiques est centrée sur une même énergie intériorisée. À l’écart de la figure humaine et de ses représentations, ce geste de déconstruc- tion opère dans la nudité. Le corps devient alors une matière à explorer. Strata poursuit ces recherches et puise au monde poétique d’une figure, la membrane, ses paysages élastiques, sans cesse transfigurés. À l’aide d’un tissu particulier, dit “morphogénique “ – chaque impact du toucher y laisse son empreinte –, Maria Donata d’Urso, entre dans la lente démesure du vivant.

Donata d’Urso’s previous pieces are organic, abstract, moving sculptures that materialise almost imperceptibly before us. The Sicilian former dancer is akin to a visual artist : eschewing figuration, she deconstructs and deforms the “material” of her naked body. Strata continues this investigation. using a special “morphogenic” fabric – each touch leaves a trace – d’Urso draws on an astonishing stock of images to invent other habitable forms, which offer suggestive and sensation-rich interactions.

Direction artistique : Maria Donata d’Urso
Danseuse : Maria Donata d’Urso - Scénographie : Wolf Ka, Maryline Gillois, Maria Donata d’Urso - Création costumes : Maria Donata d’Urso - Création lumières : Maryse Gautier
Coproduction: Biennale de la danse de Lyon, L’Echangeur-Fère en Tardenois, la Ménagerie de Verre dans le cadre de Studiolab - Accueil : Théâtre du Point du Jour, Biennale de la danse de Lyon

 

 

NASSER MARTIN-GOUSSET / LA MAISON
Pacifique

Pièce pour 14 danseurs et 2 musiciens - Création 2 010

Sont-ils sur la plage, en bateau, dans un bar ou un aquarium? Si l’énigme reste entière, l’immersion en tout cas est certaine. Toutes les palettes du bleu, de la mer scintillante aux dégradés du ciel convient le public à cette plongée dans les fonds de l’image, les eaux troubles des séries noires. Le projet de Nasser Martin-Gousset est au spectacle ce que la nuit américaine est au cinéma. Sur le plateau, on tourne. Et le plein jour se travestit en scène noc- turne. Si Pacifique voit la vie en bleu, avec une tâche de rouge, les intentions de son créateur ne sont peut-être pas aussi tranquilles que le titre le laisse entendre. Dans un décor qui revisite costumes et design des années 70, les interprètes se racontent des histoires, de Bond, James Bond...

Is the stage a beach, boat, bar or aquarium ? The enigma stays intact. But the audience, invited to dive deep into the picture, are totally immersed. Pacifique, a show équivalent to cinematic day-for-night, perhaps has a less tranquil undercurrent than its title suggests. Fluid and disturbing, water conceals mysteries ; so do group relationships. In a set that revisits ‘70s costumes and design, roleplay, masks and appearances yield incongruous and offbeat situations as the performers tell tales, some about James Bond.

Direction artistique et chorégraphie : Nasser Martin-Gousset
Danseurs : Filipe Lourenço, Smaïn Boucetta, Capucine Goust, Nasser Martin-Gousset, Giuseppe Molino, Sandra Savin, Gaétan Jamard, Eun Young Lee, David Gernez, Sylvere Lamotte, Isabelle Catalan, Aina Alegre, Joachim Lorca, Kylie Walters - Musiciens live : Steve Arguelles, Disco - Création lumière : Laurent Matignon - Régie lumière : Ludovic Bouaud - Son : Djengo Hartlap - Costumes : Dorothée Lissac - Photo : Audouin Desforges - Décor : Philippe Meynard – Accessoiriste : Goury - Régie générale et plateau : Olivier Mendili / Les Items Associés - Assistante : Carole Gomes - Administrateur : Jean-Baptiste Bosson
Coproduction : La Maison, Théâtre de la ville (Paris), Grand Théâtre du Luxembourg, L’Apostrophe – Scène Nationale de Cergy Pontoise et du Val d’Oise, Biennale de la danse de Lyon, Ménagerie de Verre (Paris), Arsenal de Metz, Théâtre de Mâcon - Accueil en résidence : L’Apostrophe – Scène Nationale de Cergy- Pontoise et du Val d’Oise, Chateauvallon/Centre natio- nal de création et de diffusion culturelles (création)

 

 

COMPAGNIE NACERA BELAZA
Le Temps scellé

Pièce pour 4 danseurs - Création 2 010

Corps voué à l’effacement. Danse centrée, ouverte, intense et pourtant minimale, c’est tout le mouvement qui anime les chorégraphies de cette artiste d’origine algérienne. À l’écart des modes et des formes spectaculaires, Nacera Belaza a développé avec sa sœur et d’autres complices de création un chemin bien à elle. Dans ce nouveau projet, la chorégraphe poursuit sa recherche. Elle réinterroge son propre geste en le confrontant à celui d’artistes interprètes issus d’une autre conception du mouvement. Dialoguer, éprouver ce qui nous réunit, donner à ressentir une danse au plus proche du public, tel est le pari de cette rencontre et de l’urgence de sa création. Une expérience sensible, profonde et sans fard.

Centred, open, intense and yet minimal : such is the abstract dance of this Algerian-born artist, who has always travelled her own path, eschewing the spectacular. Her austere, paroxystic movement carries an emotional power equal to that of music. In this new project, she compares her gestural language with that of artist-performers who conceive differently of movement, in a dialogue that yields dance acutely felt by the audience. A profound, unvarnished experience about incorporating otherness.

Direction artistique : Nacera Belaza Régie Lumière : Christophe Renaud
Coproduction: SACD / Festival d’Avignon, Biennale de la danse de Lyon, Le Forum-Scène conventionnée de Blanc-Mesnil, ARCADI, Centre Chorégraphique National de Nantes (accueil studio), Ballet Preljocaj (Aix-en-Provence) - Avec le soutien de : l’ONDA, DRAC Ile-de-France (au titre de l’aide aux compagnies), Ministère de la Culture et de la communication, Région Ile-de-France, Conseil général de Seine-Saint- Denis, Centre National de la Danse - En résidence : Saint- Ouen espace 1789 (jusqu’en décembre 2010) - Accueil : Théâtre Les Ateliers, Biennale de la danse de Lyon

 

COMPAGNIE DANIEL LARRIEU
Marche, Danses de Verdure

Pièce pour 4 danseurs - Création 2004

Marcheurs poétiques des étendues, les interprètes de Daniel Larrieu, chorégraphe des paysages, tiennent le public en haleine. Mais pas de tension dans cette approche. De l’abandon, juste le temps de renouer avec le temps, celui du corps, de l’écoute et du regard. Si le projet Marche, Danses de Verdure n’est pas nouveau, il se déplace et se réinvente spécifiquement pour chaque lieu traversé, investi par la danse et ses spectateurs promeneurs. Accents légers, poses déli-cates, respiration en profondeur, doux travail de conscience et d’éveil accompagnent chaque pas et séquence chorégraphiée en extérieur. Comme dans les contes, il y a ce drôle de travail de ressenti qui rapproche les humains du monde végétal.

When the performers of landscape choreographer Daniel Larrieu walk poetically in open spaces, the audience holds its breath. But in this approach, there is no tension ; rather, a mood of abandon, for just long enough to reconnect with body-time, with listening and watching. Although Marche, Danses de Verdure is not a new project, it reinvents itself in each fresh outdoor venue graced by its dance and strolling spectators. Subtle inflections, delicate poses, deep breaths, and gentle work on awareness and awakening accompany each choreographed step and sequence

Direction artistique : Daniel Larrieu
Danseurs : Daniel Larrieu ou Jonas Chéreau, Agnès Coutard, Anne Laurent, Jérôme Andrieu - Scénographie : construction bois Christophe Poux, assisté de Louise Vayssié - Création costumes et acces- soires : Christine Vollard
Coproduction: Entre cour et jardins, Césaré-studio de création musicale, en collaboration avec le Manège - Scène Nationale de Reims - Avec le soutien de: DRAC Île-de-France, Ministère de la Culture et de la Communication au titre de l’aide aux compagnies conventionnées

 

 

 

Speed dating et salons d'artistes / Speed dating and session with artists
Proposé par l’Onda
 
Tous les participants au Focus danse sont invités à venir faire connaissance par l’inter- médiaire d’un “ speed dating ”. Une table, deux chaises, cinq minutes : c’est la règle du jeu de cette rencontre express avec des professionnels du monde entier réunis à Lyon pour quatre jours. Une mise en relation ludique et conviviale qui permettra à chacun de nouer de premiers contacts et d’intégrer en quelques minutes le réseau des participants à Focus danse !
 
Focus danse, c’est l’occasion, durant quatre jours, de découvrir une dizaine de créations chorégraphiques françaises, mais aussi de rencontrer, dans des espaces intimes de discussion sous forme de “ salons d’artistes ”, pas moins de quinze autres chorégraphes ! Conçus à l’intention des programmateurs du monde entier, les salons d’artistes permettront ainsi à ces chorégraphes de présenter leurs démarches artistiques et leurs projets. Cette formule offre aux équipes artistiques un temps de parole pour s’entretenir directement avec les programmateurs et montrer, si elles le souhaitent, des images de leurs précédents spectacles. Le dispositif réunit de petits groupes qui peuvent circuler d’un salon à l’autre afin de rencontrer plusieurs artistes au cours de deux sessions et d’échanger très directement avec chacun.

All Focus danse participants are invited to come and connect at a “speed dating” session. A table, two chairs, five minutes – that’s the deal for this express appointment with professionals from around the world, on a four-day stay in Lyon. This entertaining, informal format will allow initial contacts and give access to the networks of all Focus danse participants in just a few minutes !

 

Focus danse is a four-day opportunity to discover 10 new pieces of French dance, but also to meet 15 other choreographers in the form of artist/programmer “ice-breakers” ! Geared to programmers from around the world, these sessions let the
attending choreographers present their artistic approaches and projects. This recipe gives artistic teams direct, individual talktime with programmers ; if they wish, they can also show excerpts from their previous shows. The format enables small groups of programmers to meet several artists during the two sessions.
 
Débat / Debate          
Dé-territorialisation/Re- territorialisation : la réinvention de la danse
De-territorialisation/Re-territorialisa- tion : reinventing dance
Proposé par le CND

Les années quatre-vingt ont vu s’amorcer un virage important dans l’histoire de la danse. La nouvelle danse, se réclamant d’une esthétique innovatrice et de formes d’organisation tout autant inusitées, s’est rapidement propagée en Occident, se cristallisant tour à tour dans divers pays au fur et à mesure que surgissait une nouvelle génération de chorégraphes. Dès les années quatre-vingt-dix, ce phénomène s’est propagé à travers tous les continents, coïncidant avec l’émergence d’une danse sensiblement plus ouverte à des formes performatives proches des arts plastiques. Cette danse “ éten- due ” s’est trouvée non seulement à traverser les frontières géographiques du monde, mais elle s’est élargie à une pensée marquée par la mondialisation et les nouvelles technologies. Ce qui s’est passé dans ces décennies relève de ce que l’on peut appeler une dé-territorialisation de la danse, marquée par une sortie des canons hérités du passé et de l’hégémonie des “ grandes ” capitales artistiques qui ont dominé le vingtième siècle (Paris, Berlin, New York...). On peut dire que la dé-territorialisation s’est accompagnée d’une re-territorialisation “ décloisonnée ” de la danse. Ce débat propose d’approfondir ce double mouvement.

Débat préparé par L. Barré et C. Pontbriand Intervention et modération : C. Pontbriand

Chantal Pontbriand, critique d’art et commissaire, est directrice-fondatrice de la revue d’art contemporain Parachute. Après avoir étudié l’histoire de l’art, la littérature comparée et l’administration de l’art à l’uni- versité du Québec à Montréal, elle suit les séminaires de L. Marin et de J-F. Lyotard à Montréal. Après avoir collaboré à diverses revues canadiennes et étrangères, dont Artscanada, Vie des Arts et Flashart, elle fonde Parachute en 1975. La revue contribue à renouveler le discours de la critique d’art, s’appuyant sur les nouvelles formes d’art et leurs fondements théoriques apparus dans les années soixante-dix : performance, installation, nouveaux médias, photographie. De 1982 à 2003, elle a dirigé le FIND (Festival international de nouvelle danse) à Montréal. En 2009, elle a été commissaire invitée au Jeu de Paume pour HF|RG [Harun Farocki | Rodney Graham]. Parmi ses projets d’expositions en cours, Chantal Pontbriand prépare actuellement The Yvonne Rainer Project.

The 1980s witnessed a major shift in dance history. The new dance – claiming ground- breaking aesthetics and equally novel orga- nisational forms – spread quickly in the West and crystallised in country after country as a new generation of choreographers emerged. In the ‘90s, this phenomenon moved across every continent, coinciding with the advent of dance that was considerably more open to forms of performance akin to the visual arts. This “expanded dance” not only spanned the world’s geographical boundaries ; it embraced a kind of thinking informed by globalisation and new technology. What happened during these decades can be described as the de-territoriali- sation of dance : artists conspicuously shunned inherited grammars and the hegemony of the “leading” artistic capitals that had dominated the 20th century (Paris, Berlin, New York, etc.). It can be said that de-territorialisation was accompanied by a “decompartmentalised” re- territorialisation of dance. This debate proposes to explore the two movements in greater depth.

Round table prepared by Laurent Barré and Chantal Pontbriand. Speaker and moderator : Chantal Pontbriand.

Chantal Pontbriand, art critic and curator, is the foun- ding director of contemporary art magazine Parachute. After studying art history, comparative literature and arts administration at the University of Quebec in Montreal, she attended the seminars of Louis Marin and Jean-François Lyotard in Montreal. While still a student, she began working as a critic and curator. After contributing to various titles in Canada and beyond, including Artscanada, Vie des Arts and Flashart, she founded Parachute in 1975. The magazine has helped to renew the discourse of art criticism, drawing on the new art forms that emerged in the ‘70s – perfor- mance, installation, new media, photography – and their theoretical foundations. From 1982-2003 she directed FIND (international festival of new dance) in Montreal. Her publications include Fragments critiques (Éditions Jacqueline Chambon, 1998) and Communauté et gestes (Éd. Parachute, 2000). In 2009 she was guest curator at the Jeu de Paume, Paris, for the “HF| RG” exhibition on Harun Farocki and Rodney Graham. Chantal Pontbriand’s current exhibition ventures include The Yvonne Rainer Project.

 

Ateliers de pratique / Workshops
La tête et les jambes
Proposé par le CND Organised by CND

Un corps, le vôtre. Un esprit ouvert et disponible, le vôtre. Une tenue confortable à prévoir dans sa valise. Une heure trente de sensations nouvelles à découvrir, à explorer, à expérimenter. Une heure trente durant laquelle un intervenant vous invite à appréhender autrement la danse en passant par la conscience du mouvement : votre propre mouvement et celui des autres. Une heure trente de mise entre parenthèses pour ” déverrouiller ” nos perceptions visuelles et puiser dans votre potentiel corporel. Intérieurs ou extérieurs, les lieux des ateliers sauront vous surprendre.

A body, yours. An open, receptive mind – yours. A comfortable outfit (be sure to pack it !). Ninety minutes of new sensations to discover, explore and experiment with. Ninety minutes during which a tutor will invite you to apprehend dance differently, through awareness of movement : your own movement and that of others. A ni- nety-minute parenthesis to “unlock” your visual perceptions and tap your body’s potential. The workshop venues will be held in surprising indoor and outdoor locations.

 

Discussion critique / Critical discussion
Organisée par Culturesfrance / Organised by Culturesfrance
 
Vendredi 24 septembre, 10h > 11h 
Friday 24 September, 10 > 11am
En présence des chorégraphes A. Richard et O. Dubois
With choreographers A. Richard and O. Dubois
 
Samedi 25 septembre, 11h > 12h
Saturday 25 September, 11am > 12 noon
En présence des chorégraphes N. Martin Gousset et M. Le Mer
With choreographers N. Martin Gousset and M. Le Mer
 
Une lecture critique sera proposée par un tandem de journalistes en dialogue avec les auteurs de 2 pièces vues la veille. Ces séances, qui s’adresseront en particulier aux professionnels étrangers souhaitant mieux connaitre les artistes, permettront de situer les démarches artistiques dans le contexte de création en France.
Débats animés par Gwenola David, directrice adjointe au Centre national des arts du cirque (CNAC) et critique pour Danser, Mouvement et La Terrasse - Mise en oeuvre : Sophie Renaud et Christine Paly.
 
Two journalists offer a critique of two pieces seen the night before, in conversation with their creators. These sessions, which primarily aim to help foreign professionals get to know artists better, will place the choreographers’ artistic approaches in the French creative context.
Debates led by Gwenola David, deputy director at the French national centre of circus arts (CNAC) and a critic for Danser, Mouvement and La Terrasse. Produced by Sophie Renaud and Christine Paly.

 

 

Professionnels internationaux :

Cathy Levy, Centre des Arts, Ottawa, Canada
Sylvain Bleau, La caravane de Phoebus, caravane d'artistes, Canada
Carla Peterson, DTW, New-York, Etats-Unis
Charles Reinhardt, American Dance Festival, New York, Etats-Unis
Elizabeth Boone, Executive and Artistic Director, Miami Light Project, Etats-Unis
Jodee Nimerichter, American Dance Festival, Etats-Unis
Léonardo Bahia, Fundaçao Clovis Salgado, Belo Horizonte, Brésil
Maria Julia Gomes, productrice, Cena Cultural Produções, Brésil
Rui Morreira, FAN, Belo Horizonte, Brésil
Adriana Perrella Matos, ForumInternational de Dança de Belo Horizonte, Brésil
Angela Beltran, responsable de la danse, Ministère de la Culture de Colombie
David Linhares, Director Biennal de Dança do Seara, Brésil
Yair Vardi, Israel
Omar Rajeh, Beyrouth  Platform Dance, Liban
Mey Seifan, directrice artistique, festival Damascus Contemporary Dance Platform, Syrie
Motchosso Kodolakina Diaudonné, journaliste, Togo
Andrew Ross, Directeur, Power House Cultural Centre de Brisbane, Australie
LI Shu-hua, Académie de danse de Shenyang, Chine
Long Yunna, directrice, Yunna Studio, Chine
Huang Xuexi, Vice président, Académie de danse de Shenyang, Chine
Wang Hai-feng, Académie de danse de Shenyang, Chine
Sonia Zhao Ruheng, Conseillère, programmation danse, grand théâtre de Pékin, Chine
Cindy Soang Park, Dong Kyu Kim, Hyun-bin Lee, Busan International Performing Arts Festival, Corée
Sang-Cheol Choi, Directeur artistique, festival international de danse MODAFE, Corée
Sung-Hee Kim, Festival Bo:m, Corée
Tency Lll, responsable de la programmation, LG Arts Center, Corée
Charlotte Lesourd, Cultural officer / consulat de France à Hong Kong
Jay Palazhy, Biennale Internationale de Bengalore/Attakkalari Centre for Movement Arts, Inde
Nungki Kusumastuti, Maria Darmaningsih, Programmatrices, Indonesian dance Festival, Jakarta Institute of the Arts, Cikini Raya, Indonésie
Shinji Ono, directeur, Dance Triennale, Tokyo, Japon
Misaki Mouri, directrice de la programation, théâtre de Kanagawa, Japon
Sachiko Nakanishi, Managing Director, Agence Conversation, Tokyo, Japon
Tay Tong, Directeur ThéâtreWorks, Singapour
Chang Hsien-Ching, Chargée mission, CCN Chiang Kai Chek, Taïwan
Han Jen-Hsian, Chef du département de la programmation et du marketing, Centre culturel national Chiang Kai-Shek, Taïwan
Huang Pi-Twan, directrice artistique, Centre Culturel National Chiang Kai Shek, Taïwan
Onsiri Pravatiyagul, journaliste, Thailande
Dieter Jaenicke, RÉSEAU EDN, Allemagne
Franz Anton Cramer, Journaliste, Allemagne
Ulrike Becker, tanzwerkstatt Berlin, Allemagne
Sabine Gehm, directrice du festival Tanzbremen, Allemagne
Bertram Müller, Tanzhaus NRW, Düsseldorf, Allemagne
Christiane Winter, Directrice, TanzTheater International, Allemagne
Cornelia Albrecht, Wuppertal, Allemagne
Francesca Spinazzi, berlinerfestspiele, Allemagne
Heike Lehmke, Tanz NRW - Köln, COLOGNE, Allemagne
Luc Paquier, Bureau du théâtre et de la Danse Berlin, Allemagne
Sven Till, Fabrik/Postam, Allemagne
Tchekpo Dan Agbetou, Tanzfestival DANSART, Allemagne
Eva Broberg, RÉSEAU EDN, Autriche
Ulrike Kuner, RÉSEAU EDN, Autriche
Walter Heun, RÉSEAU EDN, Autriche
Ariana Economou, RÉSEAU EDN, Chypre
Zvonimir Dobrovic, Directeur Queer Zagreb Festival, Croatie
Alicia Otxantegui, directrice, festival de danse contemporaine BAD, Espagne
Amélie Louys, RÉSEAU EDN, Espagne
Francesc Casadeus, RÉSEAU EDN, Espagne
Juan Carlos Fasero, Directeur, Agence Galicienne Des Industries Culturelles, Espagne
Marc Olive, RÉSEAU EDN, Espagne
Natividad Buil, danzatrayectos, Zaragoza, Espagne
Nuria Font, RÉSEAU EDN, Espagne
Irina Petrescu, Attachée Culturelle pour le Nord, Ambassade de France en Espagne
Maria Gonzalez, directrice, festival Mes de danza à Séville, Espagne
Sonia Rodriguez, Directrice, Festival de Las Artes de Castilla y Léon (FACYL), Espagne
Iñaki, Gordejuela Hierro, Section de programmes artistiques du gouvernement de Navarre, Espagne
Pablo Rodriguez, Directeur Auditorium de Galicia, Espagne
Mikael Aaltonen, Kiasma Theatre et Moving in November, Finlande
Ari Tenhula, directeur, MOVING IN NOVEMBER FESTIVAL, Finlande
Szabó György, Directeur, Trafo, Hongrie
Elisabeta Bisaro, RÉSEAU EDN, Irlande
Carmelo Grassi, President, Teatro Pubblico Pugliese, Italie
Gemma Di Tullio, Teatro Pubblico Pugliese, Italie
Giulia Delli Santi, TEATRO PUBBLICO PUGLIESE, Italie
Roberto Ricco, Teatro Stabile d’Innovazione, Italie
Bruno Valentino Perillo, Flusso Dance Project, Naples, Italie
Corrado Russo, directeur artistique, théâtre de Noto, Sicile, Italie
Gigi Cristoforetti, Directeur artistique, TorinoDanza, Italie
Maria Inguscio, Cie Zappalà danza, Italie
Sandrine Mini, Attachée culturelle, Rome, Italie
Emanuele Masi, dance festival Bolzano Danza, Italie
Francesca Manica, Fondazione Romaeuropa, Italie
Patrizia Cuoco, Festival des scènes contmporaines VIE, Italie
Laura Stasane, Institut du Nouveau Théâtre, Lettonie
Audronis Imbrasas, New Baltic Dance, lituanien dancing formation center, Lituanie
Karole Lyngholm, RÉSEAU EDN, Norvège
Un-Magritt Nordseth, Dansenhus, Norvège
Andrew Greenwood, RÉSEAU EDN, Pays Bas
Ankie Til, RÉSEAU EDN, Pays Bas
Bettina Masuch, Directrice artistique, Springdance festival, Pays Bas
Jaap Van Baasbank, Anita van Dolen, JuliDans festival, Amsterdam, Pays Bas
Mark Yeoman, Festival Noorderzon, Gröningen, Pays Bas
Didier Dutour, Attaché culturel, Institut français de Bucarest, Roumanie
Emma Southworth, RÉSEAU EDN, Royaume Uni
Mary Brady, RÉSEAU EDN, Royaume Uni
Irina Zaitseva, Centre Culturel Français de Moscou, Russie
Vadim Kasparov, Kanon Danse & Festival Open Look, Russie
Goran Bogdanovich, RÉSEAU EDN, Slovénie
Mojca Kasjak, RÉSEAU EDN, Slovénie
Petra Hazabent, RÉSEAU EDN, Slovénie
Anna Grip, Cullberg Ballet, Suède
Virve Suitinen, Dansen Hus, Suède
Claude Ratze, RÉSEAU EDN, Suisse
Roger Merguin, co-directeur de Kulturhalle Dampzentrale, Suisse
Leman Yilmaz, Directrice Istanbul Foundation for Culture and Arts (IKSV), Turquie