Théâtre

La troisième édition du FOCUS THÉÂTRE se tiendra du 20 au 23 mars 2013.

Focus théâtre/fr est un projet collectif imaginé et réalisé par le Manège Maubeuge-Mons, l’Institut Français et l’Onda dans le cadre du festival Via.
Cette manifestation entièrement dédiée au théâtre s’attache à rendre compte de la vitalité et de la diversité des créations réalisées par de jeunes artistes français et belges francophones.
C’est l’occasion, durant quatre jours, de découvrir une dizaine de spectacles sur les différents plateaux de Mons et de Maubeuge et de rencontrer dans des espaces intimes de discussion sous forme de « salons d’artistes » une douzaine d’autres metteurs en scène.

 

 

Focus Théâtre - Festival international de Maubeuge-Mons
11 - 14 mars 2010

 

 

Focus théâtre/fr est un projet collectif imaginé et réalisé par le Manège Maubeuge-Mons, l’Institut Français et l’Onda dans le cadre du festival Via.

Cette manifestation entièrement dédiée au théâtre s’attache à rendre compte de la vitalité et de la diversité des créations réalisées par de jeunes artistes français et belges francophones. C’est l’occasion, durant quatre jours, de découvrir une dizaine de spectacles sur les différents plateaux de Mons et de Maubeuge et de rencontrer dans des espaces intimes de discussion sous forme de « salons d’artistes » une douzaine d’autres metteurs en scène.

FOCUS THÉÂTRE/FR is a collective project conceived and realized by Le Manège Maubeuge-Mons, CulturesFrance and Onda in the framework of the Via international festival. This event, which is devoted entirely to theatre, seeks to recognize the vitality and diversity of works created by young French and French-speaking artists. It is an opportunity, over a period of four days, to take in some ten or so shows at different venues in Maubeuge and Mons, as well as to meet a dozen other directors and converse in small groups at ‘artists’ salons’.

 

 

 

XAVIER KIM / AKYS PROJECTE
Choi(s)x

Xavier Kim nous propose un point de vue acrobatique sur le partage des richesses (l’accès à la création autant qu’à la redistribution des fruits bénis de la croissance), les choix que la société nous propose et la peur de choir. A.K.Y.S.Projecte cherche à traduire des réalités politiques, sociales et économiques, de manière décalée, par l’image et le geste. Tout le projet se construit autour du BJ-ing [beejaying] ou art du Body-Jockey. Un jeu qui consiste à échantillonner avec son corps des émotions, mouvements, attitudes et autres postures corporelles pré-existantes, observés ou créés de toutes pièces, pour les réutiliser ensuite hors-contexte.
Xavier Kim gives us an acrobatic take on wealth-sharing (not only in terms of the redistribution of the fruits of economic growth, but also as regards access to the means of growth-creation), the choices society offers, and the fear of falling. A.K.Y.S.Projecte sets out to express political, social, and economic realities in an off-beat way, through image and gesture. The whole performance is built around BJ-ing [beejaying] or the art of Body-Jockey. A game which consists in physically sampling emotions, movements, attitudes and other pre-existing postures, observed or built from zero, and going on to deploy them again in unrelated contexts.
 
Proposition de départ : Xavier Kim, Lumière : Benjamin Guillet, Musique : Frédéric Blin, Graphisme et vidéo : Florent Tarrieux, Construction décor : Manu Cealis, Avec : Yann Ecauvre, Xavier Kim, Soleil Koster, Leonardo MayorgaSanchez, Production : A.K.Y.S. Projecte, Production déléguée : Trajectoire, Coproduction : Le Manège - Scène Nationale - Maubeuge,Le Studio Manège - Maubeuge, Les Subsistances - Lyon, Avec le soutien : Espace Périphérique (Ville de Paris / Parc de la Villette), Théâtre à Chatillon, Le Volcan - Scène Nationale - Le Havre, D.M.D.T.S, DRAC Ile-de-France, ADAMI (en cours)

 

CHRISTOPHE PIRET / THÉÂTRE DE CHAMBRE
Moscou Translation
Dans un dispositif scénographique original qui permet aux spectateurs d’être au plus proche des acteurs, Elena Zhilova et Patric Schott dévoilent leur terrain de jeu. Une maison aux accents slaves, aux utopies délavées, aux âmes qui ne savent plus très bien où commencent et où finissent leurs jardins. C’est comme un jeu d’enfants. Mais ils sont grands. Ils ne veulent pas être fatigués. Alors ils « jouent » sans cesse. Ils ne veulent pas de la fatigue du désir. Ils ne veulent pas de la fatigue de la nuit blanche. Ils ne veulent pas de la fatigue du passé. Ils ne veulent pas du poids du passé. Mais ils n’oublient rien. Ils jouent.
Using an original stage-setting which allows the audience to be as close as possible to the performers, Elena Zhilova and Patric Schott reveal their playground. A house with Slavic undertones, a sense of faded utopias, of souls who are no longer sure where their personal hinterlands begin or end. It’s like a children’s game. Except they are grown-ups. They don’t want to be tired. So they ‘play’ non-stop. They don’t want the tiredness of desire. They don’t want the tiredness of sleepless nights. They don’t want the tiredness of the past. They don’t want the weight of the past. But they don’t forget anything. They play.

www.theatredechambre.com

Texte, Mise en Scène, Scénographie : Christophe Piret , Avec : Elena Harvier-Zhilova, Patric Schott, Création sonore : Ben Delvalle, Musique : Luna Lost (Anne L., Guick, Ben Delvalle), Assistante à la Mise en Scène, Interprète : Miriam Wagner, Interprète : Pierre-Héli Monot, Construction : Rémy Dursin, Assistant à la construction : Frédéric Paolucci Régie générale : Gilles Teyssier Production et administration : Pierre Laly, Lucie Commerman Coproduction : Le Channel, Scène nationale de Calais, L’Hippodrome, Scène Nationale de Douai. Avec le soutien du Ballhaus Ost, Berlin.

 

 

CIE NON NOVA
PPP (Position Parallèle au Plancher)
Comment continuer à vivre dans une peau qui n’est pas la sienne ? Par quelles épreuves doit-on passer pour s’en libérer ? Habité par de profondes questions identitaires, le jongleur PhilippeMénard imagine un dispositif extrême qui soumet son corps à une seule et unique compagne, froide et indomptable, la glace. Toujours mouvante, tantôt complice imprévisible, tantôt adversaire redoutable, elle réveille en lui des états inexplorés qui participent à sa mutation. PPP est un récit mythologique qui traque, sans complaisance, la réalité d’un être. Sous nos yeux, une vie passée s’efface, une autre naît, belle, tragique et dérisoire.
How do you continue to live in a skin that is no longer yours? Through what trials must one pass in order to liberate oneself from such a situation? Haunted by profound questions of identity, the juggler Philippe Ménard creates a scenario that makes his body subject to a single and unique companion, cold and invincible: ice. Constantly in motion, now an unpredictable accomplice, now a formidable adversary, it awakens in him hitherto unexplored states that build towards his transformation. PPP is a mythological tale which traces, avoiding all self-indulgence, the reality of a living being. Before our eyes a former life fades away and another - beautiful, tragic, worthless - is born.

www.cienonnova.com

Coproduction : Cirque Jules Verne d’Amiens, coproduction et résidence : Les Subsistances / Lyon / France. Spectacle créé avec le soutien du Théâtre de la Cité Internationale de Paris, l’Institut Français d’Afrique du Sud et Culturesfrance (convention Culturesfrance / DRAC / Région des Pays de la Loire), le Lieu Unique, scène nationale de Nantes, l’ARC, scène conventionnée de Rezé (44), le Grand R, scène nationale de la Roche sur Yon (85), l’Office Municipal de la Culture et des Loisirs de Segré (49) et l’Hippodrome, scène nationale de Douai (59). La Compagnie Non Nova est conventionnée par : le Ministère de la Culture et de la Communication - DRAC des Pays de la Loire, le Conseil Régional des Pays de la Loire et le Conseil Général de Loire-Atlantique. Elle reçoit le soutien de : la Ville de Nantes et de Culturesfrance. Ce projet a reçu une aide à la création du Conseil Régional des Pays de la Loire.

 

 

MATHIEU BAUER / SENTIMENTAL BOURREAU
Tristan et...
Mathieu Bauer, metteur en scène de théâtre musical, musicien et fondateur de la Compagnie Sentimental Bourreau, donne sa version XXIe siècle de la passion majuscule de Tristan pour Isolde, avec 4 comédiens, 1 chanteuse lyrique, 5 musiciens (banjo, marimba, trompette, contrebasse, piano...). Ici, le point de départ se situerait précisément au moment de la mort de Tristan. Ce moment où Tristan et Isolde sont séparés ne dure qu’une scène, et c’est dans cette éternité là, extensible à souhait (la mort), qu’un Tristan contemporain va convoquer l’opéra de Wagner, l’histoire, la musique et ce qui constitue l’essentiel de l’œuvre. C’est un homme seul, débarrassé de son armure et de son statut de héros, un homme d’aujourd’hui, qui convoquera le mythe. Lui qui est maintenant sur l’autre rive va faire son travail de passeur, auprès du public et en attendant qu’Isolde le rejoigne. Le rejoindra-t-elle vraiment ?
Mathieu Bauer, director of musical theatre, musician and founder of Compagnie Sentimental Bourreau here gives his 21st century version of Tristan’s grand passion for Isolde with 4 actors, 1 female opera singer and five musicians playing: banjo, marimba, trumpet, double bass, piano.... The piece opens precisely at the moment of Tristan’s death. The period during which Tristan and Isolde are separated lasts for only one scene, and it is during this eternity, which can be extended indefinitely (death) that a contemporary Tristan will summon Wagner’s opera, history, music and the essence of the work.

www.sentimentalbourreau.net

Mise en scène : Mathieu Bauer, Libre adaptation d’après le livret de Richard Wagner et des textes de Lancelot Hamelin. Opéra d’action avec : Marc Berman, Judith Henry, Pauline Sikirdji, Mathias Girt Musique originale : Mathieu Bauer (percussions), Sylvain Cartigny (guitares, banjo), Simon (trompette), Stan Bruno Valette (sampler) Scénographie / lumières : Jean-Marc Skatchko, Assistant mise en scène : Martin Selze, Son : Jean-Marc Istria, Vidéo : Stéphane Lavoix, Costumes : Nathalie Raoul, Régie Générale : Cédric Marie, Régie Lumière : Julien Chatenet Coproduction : Sentimental bourreau, Comédie de Béthune – CDN Nord Pas de Calais, CDN Orléans – Loiret , Centre, Les subsistances – Lyon Sentimental bourreau est subventionné par le Ministère de la Culture DRAC Ile de France et la Région Ile de France.

 

ANTOINE DEFOORT ET HALORY GEORGER
&
& traite de la science, de la fiction, et des deux réunis par un tiret. Ce spectacle évoque la présence du futur dans nos vies, la possibilité de l’intergalactique dans une boîte en carton, le désir d’exode vers des planètes plus engageantes. On abordera des questions telles que : est-il judicieux de monter dans un vaisseau spatial voué à coloniser l’espace, si c’est pour mourir de vieillesse avant d’être arrivé à mi-chemin ? Tantôt grave, tantôt d’une idiotie furieuse, ce pourrait être le spectacle conçu par Bill Gates à l’âge de neuf ans pour l’anniversaire de sa maman.
& is about science, about fiction, and about the two realms connected by a hyphen. The show invokes the presence of the future in our lives, the possibility of intergalactic zones inside a cardboard box, the desire to escape to more appealing planets. It takes on questions such as: is it wise to board a space-craft designed for the colonisation of space and end up dying of old age before you are half way to your destination? Now solemn, now marked by a kind of raging stupidity, this could be the show that Bill Gates might have dreamt up at the age of nine for his mother’s birthday.

Conception et réalisation: Halory Goerger et Antoine Defoort, Assistant et scénographie : Julien Fournet, Régisseur général et lumière : Jean-François Philips, Françoic Breux, Accompagnement technique : François Breux, Jean-marc Delannoy, Nicolas Guichard/CECN, Production & développement : Julien Fournet, Diffusion : L’L / Mathieu Goeury , Coproduction : TNT – Manufacture de chaussures (Bordeaux), L’L-lieu de recherche et d’accompagnement pour la jeune création (Bruxelles), Le Vivat (Scène conventionnée - Armentières), le manege.mons / Maison Folie (Belgique), Maison Folie de Wazemmes (Lille), lemanege.mons / CeCN. Soutien : La Malterie (Lille), Avec l’aide : DRAC Nord Pas - de Calais.

 

TRANSQUINQUENNAL ET TOC
Capital Confiance
Comme on nous l’annonce chaque jour depuis le printemps dernier, 2009 et sans doute 2010 seront marquées par la crise. Elle a envahi notre actualité quotidienne et alimente les conversations au Café du Commerce. Transquinquennal et TOC plongent dans la crise, et se donnent pour mission de la sortir de son étrangeté économique. Pour examiner celle-ci et lui donner une forme spectaculaire, les deux compagnies ont élaboré un plan d’affaire qui met en présence de nombreux intervenants de divers horizons : économistes, philosophes, commerçants, travailleurs sociaux, historiens, (...), et artistes invités issus d’autres domaines artistiques (arts plastiques, danse, musique, graphisme,...).
As we have been informed on a daily basis since last spring, 2009 and probably 2010 as well, will be marked by economic crisis. It has invaded our daily lives and is the main topic of barroom conversation. Transquinquennal and TOC throw themselves into the theme and seek to rid it of the esoteric strangeness of economic discourse. To achieve this, and to add spectacle, the two companies have drawn up a «business plan» which brings together various contributors from different backgrounds: economists, philosophers, merchants, social workers, historians ... as well as invited artists from other artistic fields (visual and graphic arts, dance, music...).

www.transquinquennal.be

Une production de Transquinquennal et du Groupe Toc, en coproduction avec le Théâtre de Namur, le Théâtre Varia (Bruxelles), en partenariat avec L’Ancre (Charleroi), l’International Informelles Festival (Marseille), L’L, lieu de recherche et d'accompagnement pour la jeune création (Bruxelles), et l’ERG (école de recherche graphique, Bruxelles), avec l’aide de Wallonie-Bruxelles International. Transquinquennal est soutenu par la Communauté Française Wallonie- Bruxelles et est en résidence au Théâtre Varia.

 

JOËL POMMERAT / CIE LOUIS BROUILLARD
Cercles / Fictions
L’écriture de Joël Pommerat est intimement liée au travail sur le plateau avec les comédiens. Aussi, comme pour ses précédents spectacles, il écrit Cercles / Fictions, à partir de plusieurs sessions de recherche avec son équipe. Avec Cercles / Fictions, il se donne pour ambition d’explorer ce qui lui semble fonder toute pensée et toute action politique : l’imaginaire. Il va aussi se défaire de sa conception radicalement frontale du rapport au public pour en imaginer une autre : «en cercle complet». Si cette nouvelle disposition sera peut-être, sans jeu de mots, un tournant dans sa manière de faire du théâtre, soyons certains qu’elle lui permettra, plus que jamais, de continuer à parler du monde et du temps au présent.
Joël Pommerat’s writing is intimately connected with working on stage with actors. Also, as with his earlier shows, he has written Circles / Fictions on the basis of numerous research sessions with his team. With Circles / Fictions he sets himself the goal of exploring what for him is the source of all thought and all political action: the imagination. And this time he will drop his practice of facing his audience in a radically head-on way and imagine another approach, conceived as “full circle”. If this new approach perhaps represents (no pun intended) a turning point in his way of doing theatre, we can be sure that it will allow him, more than ever before, to speak of the world and the times we live in.
 
Texte et mise en scène : Joël Pommerat, Assistante : Martine de Michèle, Lumière et Scénographie : Eric Soyer en collaboration avec : Jean-Gabriel Valot, Costumes : Isabelle Deffin, Réalisation des accessoires : Thomas Ramon, Recherches musicales et compositions : Antonin Leymarie, Grégoire Leymarie, Réalisation sonore : François Leymarie, Régie son : Grégoire Leymarie, Régie lumière : Jean-Gabriel Valot, Jean-Pierre Michel, Direction technique : Emmanuel Abate, Avec : Agnès Berthon, Jacob Ahrend, Saadia Bentaïeb, Gilbert Beugniot, Frédéric Laurent, Serge Larivière, Ruth Olaizola, Dominique Tack. Production : Compagnie Louis Brouillard. Coproductions : Théâtre National de Bruxelles, CNCDC de Châteauvallon, l’Espace Malraux / Scène Nationale de Chambéry et de la Savoie, Maison de la Culture d’Amiens, Le Fanal - la Scène Nationale de St Nazaire, Théâtre d’Arras, La Comédie de Béthune - Centre Dramatique Régional Nord – Pas de Calais Résidence de création : Bruxelles, Châteauvallon,Théâtre des Bouffes du Nord. La compagnie Louis Brouillard est conventionnée et reçoit le soutien du Ministère de la Culture / Drac Ile-de-France, de la ville de Paris, de la communauté du Val d’Orge et de la région Ile-de-France. Elle est en résidence au Théâtre des Bouffes du Nord et au Théâtre Brétigny. Cercles / fictions a bénéficié de l’aide à la production et à la diffusion du Fonds SACD. photo © Elisabeth Carecchio

 

 

 
GdRA
Singularités Ordinaires
Singularités ordinaires met en scène trois récits de vie. Arthur Genibre, 86 ans, habite dans le Quercy. Dans un contexte fait d’injonctions fortes - « tu seras cultivateur et rien d’autre» - il a trouvé une position de musicien guérisseur, se cachant pour apprendre la musique et lisant ses œuvres « dans les astres ». Wilfride Piollet, 64 ans, est danseuse étoile retraitée de l’opéra de Paris. Elle dit s’être « marginalisée » en créant les principales pièces « post-modernes » du répertoire des années soixante-dix et quatre-vingt. Elle a « lâché la barre » pour créer sa propre pédagogie. Michèle Eklou-Natey, 41 ans, femme d’origine algéro-togolaise éduquée par une famille italo-arménienne à Marseille, passe son temps dans un bar où tout laisse à penser qu’elle est malvenue.
Ces trois personnes, dans des situations parfois très difficiles et conflictuelles, inventent des places et parviennent à se raconter de façon cohérente.
Singularités ordinaires puts three life stories on stage. Arthur Genibre, 86, lives in Quercy. In a milieu governed by strict imperatives - “you will be a farmer, full-stop!” – he has made himself into amusician-healer hiding himself away to learn how to play music and finding his pieces “in the stars”. Wilfride Piollet, 64, retired star dancer from the Paris Opera. She finds herself ‘marginalised’ for creating the principal “post-modern” pieces in the repertory of the 1970s and 1980s. She «has quit the barre» and developed her own method. Michèle Eklou-Natey, 41, a woman of Algerian-Togolese origin raised by an Italian-Armenian family in Marseille, spends her time in a bar where, by all appearances, she is not welcome.
These three, in situations that are sometimes very difficult and conflictual, create places for themselves and succeed in recounting their stories in a coherent way.

www.legdra.blogspot.com

Conception et interprétation : Le GdRA, Texte et musique : Christophe Rulhes, Mouvement et scénographie : Julien Cassier, Jeux d’acteur : Sébastien Barrier, Images : Christophe Modica, Amic Bedel, Edmond Carrère, Montage, mise en image, pièce sonore : Christophe Modica, Images animées et graphisme : Benoît Bonnemaison - Fitte, Costumes : Céline Sathal, Lumière : Adèle Grepinet, Régie et création son : Pedro Theuriet, Régie Lumière et direction technique : David Löchen, Construction : Pierre Pailhès et Sébastien Barrier, Administration, production, diffusion : Muriel Pierre, Regard extérieur : Mathurin Bolze, Aide à la dramaturgie : Jean-Michel Guy

 

 

 
DAVID BOBEE / CIE RICTUS
Cannibales
Tout se construit à partir d’une scène initiale, celle d’un couple qui rentre chez lui, s’embrasse, se déshabille, s’enlace, s’arrose d’essence, se fout le feu. Un spectacle comme l’enquête de ce qui a pu les pousser là. La nécrologie d’un couple prétexte à un bilan subjectif politique et intime des trente dernières années. Cannibales plonge le spectateur dans la chambre de ce couple, intérieur d’un appartement design et impersonnel, encadré de murs vidéo et de lumières. Froid, blanc, transparent. Cette création associe acrobates et comédiens autour d’un texte de Ronan Chéneau. Il s’agit de provoquer la rencontre de différentes disciplines : théâtre, vidéo, cirque, danse... Le travail d’écriture s’est fait sur le plateau en lien direct avec la mise en scène et les comédiens et a approfondi des thématiques chères à l’équipe de création : la place de l’individu dans le monde, la quête de son identité sociale et intime, le portrait d’une génération, d’une époque.
Everything derives from an opening scene in which a couple arrive home, kiss, undress, embrace, douse themselves in petrol and set themselves on fire. The show is a kind of enquiry into what could have pushed them to this act - the obituary of a couple which provides a pretext for an appraisal of the last thirty years that is at once subjective, political, and personal. Cannibales throws the spectator into the couple’s bedroom, in an impersonal designer apartment with walls made of video screens and lights. Cold, white, transparent. The piece brings together acrobats and actors working around a text by Ronan Chéneau. It’s about inspiring a coming together of different disciplines: theatre, video, circus, dance... The piece was written on stage, amid the settings, and in direct collaboration with the actors, and went deep into themes that are dear to the production team: the individual’s place in the world, the search for one’s social and personal identity, the depiction of a generation and a historical period.

www.rictus-davidbobee.net

Scénographie et mise en scène : David Bobee, Texte : Ronan Chéneau Comédiens/danseurs/acrobates : Yohann Allex, Claire Cordelette- Lourdelle, Eric Fouchet, Alexandre Leclerc, Nicolas Lourdelle, Séverine Ragaigne, Clarisse Texier, Créateur lumière : Stéphane Babi Aubert, Créateurs son : Jean Noël Françoise et Frédéric Deslias, Créateur vidéo : José Gherrak, Régisseur : Thomas Turpin, Construction décor : Trambert Regard / ateliers Akelnom, Avec l’aide du CDN de Normandie, Production : Groupe Rictus, Coproduction : Scène Nationale de Petit Quevilly / Mont Saint Aignan, L’Hippodrome / Scène Nationale de Douai et le Centre Régional des Arts du Cirque de Normandie / La Brèche / Théâtre Le Manège - Mons, compagnie conventionnée par le ministère de la Culture / DRAC de Basse-Normandie. Avec le soutien : Conseil régional de Basse-Normandie, du Conseil général du Calvados (ODACC), de la ville de Caen. Avec l’Aide à la création du Centre National du Théâtre. Le texte de Cannibales de Ronan Chéneau est édité aux Solitaires Intempestifs comme les deux autres textes de la trilogie : Res / Persona et Fées. David Bobee et Rictus sont artistes associés à l’Hippodrome, Scène Nationale de Douai et en compagnonnage avec la Scène Nationale de Petit Quevilly – Mont Saint Aignan

 
 
 
 
 
 

 

programmateurs internationaux 

KENZA SOUFFI, PROGRAMMATRICE ARTISTIQUE, CCF ALGER, ALGERIE
MICHELE BRACONNIER, DIRECTRICE de L'L, BELGIUM, IXELLES
AMANDINE RIMBERT, CHARGEE DE DIFFUSION, CIE MICHELE NOIRET, BELGIQUE
BIA JUNQUEIRA, DIRECTRICE, TEMPO FESTIVAL DAS ARTES, RIO, BRÉSIL
REGINA RAMOS C DE ALBUQUERQUE, CULTURAL MANAGER, CAIXA CULTURAL RIO DE JANEIRO, BRESIL
GUILHERME PERPETUO MARQUEZ, DIRECTEUR ECUM BRASIL, BELO HORIZONTE, BRESIL
MARCELO ZAMORA, COORDINATEUR GENERAL, FESTIVAL INTERNATIONAL THEATRE RIO PRETO, BRESIL
JULIA GOMES, DIRECTRICE CENA CULTURAL PRODUCOES, SAO PAULO, BRESIL
RICARDO MUNIZ FERNANDES, DIRECTOR DIAGRAMA PRODUCOES, SAO PAULO, BRESIL
ROSANA DA CUNHA, GESTIONNAIRE DE L'ACTION CULTURELLE, SESC SAO PAULO, BRESIL
FREDDY SABIMBONA, DIRECTEUR DE TROUPE, CCF DE BUJUMBURA, BURUNDI
SYLVIE TESTE, DIRECTRICE ARTISTIQUE, USINE C, MONTREAL, CANADA
LEON WILSON, ADMINISTRATEUR, TEATRO NACIONAL, BOGOTA, COLOMBIE
SIMON BOBERG, DIRECTEUR ARTISTIQUE, KULTUR CENTER HUSET, DANEMARK
FARDOUSSA MOUSSA-EGUEY, COMEDIENNE ET METTEUR EN SCENE, CCF DJIBOUTI
ANJA DIRKS, ALLEMAGNE
GYÖRGY SZABO, DIRECTEUR TRAFO, BUDAPEST, HONGRIE
MARIO BIAGINI, TEATRO DI PONDETERA, FLORENCE, ITALIE
LUCA MAZZONE, DIRECTEUR ADMINISTRATIF, TEATRO LIBERO, PALERME, ITALIE
FRANCESCA VENTURI, RAVENNA TEATRO, ITALIE
EDOARDO DONATINI, DIRECTOR, FESTIVAL DE PRATO, ITALIE
FRANCO UNGARO, DIRECTOR, TEATRALI KOREJA DE LECCE, ITALIE
SERGIO ZINNA, DIRECTOR, CENTRO CULTURE CONTEMPORANEE DE CATANE, ITALIE
ISABELLA LAGATTOLLA, DIRECTRICE FESTIVAL DELLE COLLINE TORINESI, ITALIE
SERGIO ARIOTTI, ARTISTIC DIRECTOR, FESTIVAL DELLE COLLINE TORINESI, ITALIE
LICIA FERRARI, PRODUCER, EMILIA ROMAGNA TEATRO FONDAZIONE, ITALIE
SANDRINE MINI, ATTACHEE CULTURELLE, AMBASSADE de France en Italie
FRANCESCA GRAZIANI, INTERPRETE, ITALIE
YOSHIJI YOKOYAMA, PROGRAMMER, ARTS FESTIVAL SHIZUOKA, SHIZUOKA, JAPON
MARK YEOMAN, ARTISTIC DIRECTOR, NORDERZON FESTIVAL, PAYS-BAS
GRONINGEN RUDI KAMMINGA, PROGRAMMER, GRAND THEATRE & JONGE HARTEN FESTIVAL, PAYS-BAS
MARGA KROODSMA, PROGRAMMER, GRAND THEATRE & JONGE HARTEN FESTIVAL PAYS-BAS
BARTOSZ SZYDLOWSKI, DIRECTOR, DIVINE COMEDY FESTIVAL, POLOGNE
ALVIN TAN, DIRECTEUR ARTISTIQUE, THE NECESSARY STAGE, SINGAPOUR
CLAIRE SUNG, DIRECTRICE ADJOINTE, SEOUL PERFORMING ARTS FESTIVAL, CORÉE
HYE-MI KWEON, DIRECTRICE DE LA PROGRAMMATION, NATIONAL THEATER OF KOREA, CORÉE
NURIA FONT, DIRECTOR OF PROJECTS, NU2'S, BARCELONE, ESPAGNE
LINDA ZACHRISON, DIRECTRICE, STOCKHOLMS STADSTEATER, SUEDE
NICOLE GAUTIER, ARTISTIC CONSEILOR, THEATRE POPULAIRE ROMAND, SUISSE
ANDREA NOVICOV, ARTISTIC DIRECTOR, THEATRE POPULAIRE ROMAND, SUISSE
BARBARA SUTHOFF, DIRECTRICE DE LA DIFFUSION, VIDY –LAUSANNE, SUISSE
VICTORIAWEN-YI WANG, DIRECTOR, NATIONAL THEATER OF TAIWAN
JOSEPH SEELIG, DIRECTOR, LONDON MIME FESTIVAL, ROYAUME-UNI
HELEN LANNAGHAN, DIRECTOR, LONDON MIME FESTIVAL, ROYAUME-UNI
JAMES ERSKINE, DIRECTOR, THE GATE THEATRE, ROYAUME-UNI
SIXTO WAGAN, ARTISTIC DIRECTOR, DIVERSEWORKS, HOUSTON, ETATS-UNIS
MEIYIN WANG, ASSOCIATE PRODUCER, UNDER THE RADAR, NEW YORK, ETATS-UNIS
 

 

FOCUS THÉÂTRE/FR est un projet collectif imaginé et réalisé par le Manège Maubeuge-Mons, CulturesFrance et l’Onda dans le cadre du festival Via. Cette manifestation entièrement dédiée au théâtre s’attache à rendre compte de la vitalité et de la diversité des créations réalisées par de jeunes artistes français et belges francophones. C’est l’occasion, durant quatre jours, de découvrir une dizaine de spectacles sur les différents plateaux de Mons et de Maubeuge et de rencontrer dans des espaces intimes de discussion sous forme de « salons d’artistes » une douzaine d’autres metteurs en scène. En 2010 lors de la première édition du FOCUS THÉÂTRE/FR, vous étiez une centaine de programmateurs français et étrangers à nous rejoindre à Maubeuge et Mons pour participer à cette aventure artistique. Nous espérons que cette édition 2011 suscitera une curiosité et un désir renouvelés à venir à la rencontre de ces artistes engagés.

FOCUS THÉÂTRE/FR is a collective project. It was envisioned and carried through by Manège Maubeuge-Mons, CulturesFrance and Onda as part of the Via Festival. This event is entirely devoted to theatre and aims to showcase the vitality and diversity of the creations of young artists from France and French-speaking Belgium. Over four days, about ten shows will be presented on the various stages in Mons and Maubeuge - a chance to meet a dozen directors in the form of ‘Artists’ salons’, where spaces allowing close-up discussion are provided. In 2010, during the first edition of FOCUS THÉÂTRE/FR, you, as well as a hundred other French and foreign programmers, came to Maubeuge and Mons to take part in this artistic venture. Let us hope that the 2011 edition will arouse renewed curiosity and interest in meeting these committed artists.

Le Manège Maubeuge - Mons CulturesFrance / Institut français L’Onda

 

 

 

 

 

CYRIL TESTE / COLLECTIF MXM
Electronic City

Tom, businessman suractif, passe son temps d’un aéroport à l’autre, d’une ville à l’autre, oubliant parfois s’il est à Tokyo ou Rome. Joy, la femme qu’il aime, travaille pour une chaîne d’aéroport.Tous deux essaient de se croiser, de se retrouver l’espace de quelques instants, là où la rencontre est possible mais fugitive. À la frontière entre théâtre et vidéo, le collectif MxM propose une réflexion saisissante sur la solitude et l’aliénation de l’homme postmoderne, happé par l’emprise des communications et soumis à l’emprise du virtuel. L’écriture de Falk Richter interroge sur le fonctionnement de notre mode de vie et de notre système politique et social. Dans Electronic City, il analyse les chances de survie d’une romance dans la société ultramoderne du XXIe siècle.
 
Tom, an overstretched businessman, spends his time going from one airport to another, from one city to another, sometimes forgetting whether he is in Tokyo or Rome. Joy, the woman he loves, works for a chain of airport hotels. They look for opportunities to meet, to find a space in which to be together - if only for a few moments – wherever even the most fleeting of meetings is possible. On the frontier between theatre, video, and electro- popping, the MxM collective offers a startling reflection on the solitude and alienation of post-modern man, constrained by the pressure of today’s communications systems and virtual reality. Falk Richter questions both our social and political system, and the way we live today. In Electronic City, he investigates the chances that a love relationship has of surviving in the ultramodern society of the 21st century.
 
Auteur : Falk Richter, Mise en scène : Cyril Teste Dramaturgie : Anne Monfort Avec : Pascal Rénéric, Servane Ducorps, Aymeric Rouillard, Alexandra Castellon, Stéphane Lalloz Régie générale : Julien Boizard Musique originale : Nihil Bordures Création lumières : Julien Boizard Scénographie : Elisa Bories Costumes : Elisa Bories et Alexandra Castellon Régie vidéo : Mehdi Toutain-Lopez Assistant vidéo : Nicolas Doremus Photographies : Pierre-Jérôme Adjedj Chef opérateur : Michel Lorenzi Collaboration vidéo : Patrick Laffont Production : Collectif MxM, Coproduction : Temps d’images 2007 / La Ferme du Buisson, Scène nationale de Marne-la-Vallée, Carré des Jalles / Saint-Médard-en-Jalles, Scène nationale 61/ Alençon, Cie l’Eldorado / Joël Jouanneau, Arcadi Soutiens : DRAC Île-de-France, Conseil Général 77, CNC-Dicream, CSAD Montpellier, CNSAD Paris / Vincent Detraz, T.U. Nantes, CNSAD Paris / Vincent Detraz, Agnes B

 

 

JULIE BÉRÈS / CIE LES CAMBRIOLEURS
Notre besoin de consolation
Dans Notre besoin de consolation Julie Bérès fouille les questions éthiques que soulèvent certains progrès scientifiques quand ils touchent au vivant. Biogénétique, clonage, interventions pour ralentir le vieillissement des cellules, manipulations de l’ADN, congélation des corps après la mort... Tout cela dessine le paysage d’un monde post-humain où le fantasme d’immortalité deviendrait chose réelle. Partant en « immersion documentaire » au coeur de ces réseaux (banque du sperme au Danemark, mères porteuses en Inde, etc.), Julie Bérès en tire des images, des situations, des fragments de textes, des illusions d’optique, nous soumettant au trouble du vrai et du faux. Un théâtre onirique, à la fois burlesque et cauchemardesque, pour réveiller les consciences.
In Notre besoin de consolation, Julie Bérès investigates the ethical issues raised by some scientific advances involving living beings. Biogenetics, cloning, slowing down cell-aging, DNA manipulation, bodies frozen after death... All this is used as the backdrop of a post-human world where the dream of immortality would become possible. As she travels, almost documentary-like, in the heart of these biomedical networks (a sperm bank in Denmark, surrogate mothers in India, etc.), Julie Bérès extracts images, situations, text fragments, optical illusions, puzzling spectators unable to tell what’s real and what’s not. A dreamlike performance, both farcical and nightmarish, to awaken consciences.
 
 
Mise en scène : Julie Bérès Scénario, dramaturgie, textes : Julie Bérès, Elsa Dourdet, David Wahl, Nicolas Richard Interprété et créé par : Virginie Frémaux, Agnès Joessel, Mike Hayford, Éric Laguigné Création sonore : David Ségalen Création lumières : Hugo Oudin Création vidéo : Christian Archambeau Scénographie : Mathias Baudry Plasticienne : Juliette Barbier Costumes : Aurore Thibout Chorégraphie : Lucas Manganelli Direction technique : (Le Quartz) Nicolas Minssen Production : Espace des Arts, Scène nationale de Chalon-sur-Saône Coproduction : Compagnie Les Cambrioleurs - Le Quartz, Scène Nationale de Brest - Le Maillon, Théâtre de Strasbourg - La brèche, Centre des arts du cirque de Basse-Normandie - Le Théâtre de l’Onde, Espace Culturel de Vélizy- Villacoublay, L’Hexagone, Scène nationale de Meylan, Arcadi (Action Régionale pour la création et la diffusion artistique en Ile -de- France) Avec l’aide à la création du Conseil général du Finistère et du Conseil général du Val-de-Marne Avec le soutien : Granit, Scène Nationale de Belfort, Théâtre Romain Roland, Villejuif, l’EPPGHV, Parc de la Villette, la Maison du Théâtre, Brest
 

 

VINCENT MACAIGNE
Requiem 3
C’est l’histoire de deux frères dont l’un n’a qu’un désir, s’ériger en tyran... Tandis que l’autre accepte de partager avec humilité la destinée d’appartenir au peuple des sans-grade. A partir de l’histoire de deux héritiers qui se déchirent pour la couronne, Vincent Macaigne ausculte la relation de ces deux frères dans son animalité la plus archaïque. Sous forme de cérémonie, il y parle de violence et d’amour. Comédie macabre du pouvoir et par-dessus le marché, de l’amour. Shakespeare n’est jamais loin sur ces landes incendiaires. Avec Requiem 3, Vincent Macaigne en appelle au plus épique des théâtres pour convoquer à cette bataille de titans dont l’enjeu est une couronne en carton, les bourrasques d’un vent du pouvoir qui est chargé de paillettes d’or, et les flots rougeoyants d’une vengeance qui se déverse sur le plateau comme autant de baquets de sang.
 
This is the story of two brothers. One has one desire only: to set himself up as a tyrant. The other accepts to humbly share the destiny of belonging to the nobodies of this world. Vincent Macaigne examines the relationship between two heirs who tear each other apart for the crown, in a struggle of primitive bestiality. In the format of a ceremony, he addresses here the themes of violence and love. A macabre comedy of power, and - in addition - of love. Shakespeare is never far away from this explosive scenario.
With Requiem 3, Vincent Macaigne turns to the most epic styles of theatre to bring to this battle between titans (all for a cardboard crown) tempestuous, gold- flecked, power-evoking winds and red waves of revenge breaking upon the stage like a bloody tide.
 
Ecriture, conception visuelle et mise en scène : Vincent Macaigne Distribution en cours Production : Compagnie Friche 22.66

 

 

SUPERAMAS

YouDream
Superamas vous invite à livrer vos rêves sur un site (www.youdream.be). Peut-être aurez-vous la chance de voir votre rêve devenir réalité, en direct sur scène ou projeté sur grand écran. Un projetsitué quelque part entre la performance, la série télévisée, le film et le forum Internet. Le public y suit l’enregistrement d’un programme télé où figurent huit européens de provenances différentes. Ils se sont connus par un réseau social sur lequel des gens échangent leurs rêves les plus fous. Et soudain, le studio se transforme en un plateau de cinéma à Hollywood où les rêves deviennent réalité. Mais qu’est- ce qui est imaginaire et qu’est-ce qui est réel ? Où est le théâtre et où est le cinéma ? Qui sont les acteurs et qui sont les spectateurs ? Les lois du théâtre sont ainsi transcendées et l’expérience théâtrale se transforme en une nouvelle aventure : le public est à la fois dans la salle, sur scène et sur la Toile.
 
Superamas invites you to send your dreams to a website (www.youdream.be). You may have the chance to see your dream becoming reality, live on stage, or projected onto a big screen – a project located somewhere between performance, a television serial, film, and the internet chat-room. The audience watches the recording of a TV programme featuring eight Europeans of different origin. They have met through a social networking site where people exchange their craziest dreams. And suddenly the studio transforms itself into a Hollywood film-set where dreams become reality. But what here is imaginary, what here is real? Where is the theatre and where is the cinema? Who are the actors – who are the viewers ? The laws of the theatre are transcended and the theatrical experience becomes a new adventure: the audience is simultaneously in the auditorium, on stage, and on the world-wide web.
 
Directed and produced by Superamas with : Roch Baumert, Peter Connelly, Karen Lambaek, Agata Maszkiewicz, Diederik Peeters, Martin Schwab and Superamas Co-produced by : Tanzquartier Wien, Szene Salzburg, Buda kunstencentrum (Kortrijk), kunstencentrum Vooruit (Gent), Kaaitheater, Workspace Brussels, En-knap/Spanish fighters (supported by the ministry of Slovenia and the city council of Ljubljana) co-producer : film Liberty Chérie : Le Fresnoy Tourcoing, Le Manège Scène Nationale Mons/Maubeuge, Technocité, Kunstcentrum Vooruit le Manège.mons, le manège scène nationale de Maubeuge (European Union FEDER Interreg IV program through the transregional TRANSDIGITAL platform of research, arts and science), Technology provider hyper slow motion I-MOVIX (Mons) in collaboration with : Impulstanz Vienna, brut-wien, mokum vzw, Companie des Indes Support City of : Vienna, Ministry of Education, Art and Culture (Austria), Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Ile-de-France, Ministère de la Culture et de la Communication (France), Austrian Cultural Forum Brussels (Belgium), Flemish Community (Belgium)

 

 

SOPHIE PEREZ ET XAVIER BOUSSIRON / CIE DU ZEREP
Deux masques et la plume
Xavier Boussiron et Sophie Perez mettent leurs deux acteurs fétiches en position de dissection théâtrale pour tenter une sorte d’anatomie du comédien. Lorsque l’on sait ce qu’ils ont fait des textes de Gombrowicz ou de Musset, on peut imaginer beaucoup d’auto-dérision sur le statut de l’acteur. Leur sens de l’esthétique, leur totale liberté, et un certain dandysme qui leur fait tout oser, font d’eux l’une des compagnies les plus inclassables du théâtre d’aujourd’hui.
Deux masques et la plume se présente comme un essai, une chronique, une allusion aux fondements de l’acteur. La formation d’un acteur ne doit pas se contenter d’enseigner la meilleure manière de se comporter sur scène : il faut aussi savoir interpréter les expériences vécues. Il n’y a pas une seule bonne façon d’exprimer la tristesse ou la joie : comme dans la vie, les choses sont complexes, voire confuses.
Xavier Boussiron and Sophie Perez subject their two favourite actors to dissection in an attempt, as it were, to lay bare the anatomy of the actor. Knowing what they have done with texts by Gombrowicz and Musset, we can expect much self-mockery in their treatment of the position of the actor. Their aesthetic sense, their attitude of complete liberty, and a certain touch of enabling dandyism, make this company one of the most unclassifiable in today’s theatre.
Two masks and the pen comes over as an essay, a chronicle, an exploration of the fundamental facets of the actor. Training an actor should not stop at teaching the best way to conduct oneself on stage: it is also necessary to be able to convey lived experiences. There isn’t only one way to express sadness or joy - as with life, things are complex, perhaps even overwhelming.

www.cieduzerep.blogspot.com

Conception, textes, scénographie : Sophie Perez et Xavier Boussiron Avec : Sophie Lenoir, Stéphane Roger, Radha Valli Avec la participation de : Richard Lowdon Costumes : Sophie Perez et Corine Petitpierre Musique : Xavier Boussiron Images et régie générale : Laurent Friquet Lumière : Fabrice Combier Régie son : Félix Perdreau Régie plateau : Anne Wagner dit Reinhardt Administration : Sophie Pulicani Réalisation décor : François Maréchal, Dan Mestanza Rideaux réalisés par la société Gerriets Production : Compagnie du Zerep Coproduction, résidence et création : Les Subsistances 2009/2010, Lyon Coproduction croisée du Nouveau Théâtre d’Angers - centre dramatique national des Pays de la Loire et du CNDC Centre national de danse contemporaine Angers Coproduction : Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou Paris – Centre de développement chorégraphique Toulouse /Midi-Pyrénées (accueil studio), Centre National de Création et de Diffusion Culturelles, Châteauvallon – Le Manège, Centre culturel Transfrontalier, Scène Nationale, Maubeuge Avec le soutien du CENTQUATRE, du Théâtre de Gennevilliers, centre dramatique national de création contemporaine, et du Ministère de la Culture - Direction régionale des Affaires Culturelles Ile-de-France, aide à production dramatique.

 

 

NATHALIE BÉASSE
Happy Child
L’enfance, la famille et ses non-dits sont au cœur d’Happy Child de la compagnie Nathalie Béasse. Un spectacle entre danse et théâtre, tragédie et comédie. Unie par un secret, une fratrie de cinq personnes - acteurs - danseurs - se retrouve réunie. Voilà pour le point de départ. Il s’agit ici plutôt d’une succession d’instants qui racontent l’histoire de cette famille. Une histoire faite de souvenirs et d’anecdotes qui oscille entre tragédie et comédie, au rythme d’un piano. Les textes viennent se mêler au mouvement, à la lumière et au son. Nathalie Béasse voulait faire du cinéma. La vie etdes rencontres l’ont finalement menée vers le spectacle vivant. Formée au Beaux-Arts d’Angers, elle a donc bifurqué vers des formes qui mêlent danse, théâtre, arts plastiques et cinéma.
 
Childhood, the family and that-which-is-left-unsaid are at the heart of Happy Child by the Nathalie Béasse company. A show that falls between dance, theatre, and tragi-comedy. Bound by a shared secret, five siblings – actors, dancers – who had long been separated find themselves reunited. That’s the starting point. The show elicits a succession of moments which tell this family’s story - a story made of memories and anecdotes which sway between tragedy and comedy, to the music of a piano. The texts blend together through movement, light, and sound. Nathalie Béasse wanted to make films. Life and its encounters finally brought her to live performance. Trained at the École supérieure des Beaux- Arts d’Angers, she branched out towards forms which blend dance, theatre, the visual arts, and cinema.

www.cienathaliebeasse.net

Conception, chorégraphie, mise en scène : Nathalie Béasse Interprètes : Étienne Fague, Karim Fatihi, Erik Gerken, Anne Reymann, Camille Trophème Lumières : Natalie Gallard Régie son : Antoine Monzonis - Calvet Bande sonore : Julien Parsy Sculpture : Corinne Forget Musiques : Mendelssohn, Tindersticks, The Stray cats, Nancy Sinatra, Camille Trophème Production et résidence de création : Open Arts / Le Quai - Angers, Le Centre National de Danse Contemporaine - Angers. La compagnie Nathalie Béasse est Soutenue par : le Ministère de la Culture et de la communication/DRAC des Pays de la Loire, la Région des Pays de la Loire, le Département du Maine et Loire et la Ville d’Angers.  Photo : Courtesy Hors Saison Arcadi © Wilfrid Thierry

 

 

HUBERT COLAS / CIE DIPHTONG
Kolik
Kolik constitue le troisième volet de la trilogie Guerre. Après un premier volet consacré à la guerre dans la société contemporaine, un deuxième volet évoquant le conflit dans la sphère familiale, Kolik met en scène l’individu face à lui-même au moment de sa mort.
En 17 chapitres, comme autant de thèmes qui l’obsèdent (la science, la musique, etc.), le narrateur parle, en une logorrhée ininterrompue, jusqu’à évoquer enfin la mort. Rainald Goetz est un auteur allemand né en 1954. Docteur en histoire et en médecine, il a exercé en milieu psychiatrique. La radicalité « politico-subjective » de ses textes, leur extraordinaire virtuosité, en font l’un des auteurs allemands contemporains les plus originaux et les plus remarqués.
 
Kolik represents the third part of the War trilogy. After part one, which dealt with war in contemporary society, and part two, which focussed on conflict within the family, Kolik puts on stage the individual facing himself at the moment of his own death.
Under 17 headings covering the themes that obsess him (science, music, etc.), the narrator talks and talks uninterruptedly before finally expiring. Rainald Goetz, born in 1954, is a German writer. He holds a PhD in history and medicine, and has worked in psychiatric institutions. With the politically subjective radicality of his texts and their amazing virutosity, he is certainly one of the most creative and conspicuous contemporary German authors.

De Rainald Goetz Traduit de l’allemand par Olivier Cadiot et Christine Seghezzi. L’Arche éditeur est agent théâtral de Rainald Goetz en France. Mise en scène et scénographie : Hubert Colas Avec: Thierry Raynaud Lumière : Hubert Colas Vidéo : Patrick Laffont Régie générale : Yann Loric Régie son : Frédéric Viénot Production : Diphtong Cie Coproduction : Théâtre Garonne - Toulouse, La Comédie de Reims - Centre Dramatique National, Centre Pompidou - Metz, Théâtre des Salins - Scène Nationale de Martigues Avec le soutien : d’actOral et de Montévidéo Production / diffusion : Anaïs Rebelle - www.diphtong.com

 

 

CIE CENDRES LA ROUGE
Vestiges
Cendres la Rouge poursuit ses recherches autour de l’ossuaire dégingandé, avec cette nouvelle création. Pour la première fois, la compagnie explorera la manipulation directe de la marionnette. Dans un laboratoire de paléontologie, Martha s’affaire à analyser des petits squelettes découverts récemment. Comme ils échappent à toute nomenclature connue, elle essaie de percer le mystère de leur origine, de leur vie. Cette tâche coïncide avec des événements curieux : chute récurrente de terre dans le laboratoire, perturbation du temps. L’activité de Martha l’amène à faire revivre un monde disparu via les squelettes qu’elle étudie. Ce qu’elle imagine prend corps, elle entre dans un monde fantasmatique et hallucinatoire où elle rencontre un petit squelette qui devient son guide.
 
With this new creation, Cendres la Rouge further explores disarticulation. For the first time, the company investigates the direct manipulation of puppets. In a paleontological laboratory, Martha is busy analyzing small skeletons that were recently excavated. Since they don’t seem to belong to any known species, she attempts to unveil the mystery of their origin, of their life. Meanwhile, strange events occur: soil repeatedly falling into the laboratory, time distortion. As she studies the bones, Martha resuscitates the long-gone world they belonged to. What she imagines takes shape, and she enters an imaginary realm, full of visions, where she encounters a small skeleton who becomes her guide.
 
 
Ecriture et conception : Sandrine Châtelain, Alain Terlutte, Didier Cousin et Julien Aillet Mise en scène : Didier Cousin Construction des automates et marionnettes : Alain Terlutte et Julien Aillet Interprétation : Sandrine Châtelain, Julien Aillet et Alain Terlutte Création sonore : Ivann Cruz Création lumière : Claire Lorthioir Construction : Alexandre Herman Création : Compagnie Cendres la Rouge Production : Métalu A Chahuter / Co-production : Le Grand Bleu - Lille, La Maison Folie de Wazemmes - Lille, Le Boulon Pôle Régional des arts de la rue – Vieux - Condé, La Condition Publique – Roubaix
 
Photo : Eric Le Brun
 
 
 
 
 
 
 
FRANÇOIS ORSONI / THÉÂTRE DE NÉNÉK A
Jean la Chance


Cette pièce inachevée du jeune Brecht (d’après un conte populaire des frères Grimm) est donnée au rythme d’un « live » énergique. Musiciens et acteurs vous proposent une sorte de traité desavoir vivre à l’usag
e des naïfs, des réfractaires et des optimistes... Jean la Chance est l’histoire d’un homme simple qui arpente le monde et y perd tout ce qu’il possède au fil de ses rencontres avec des gens opportunistes et malhonnêtes. Le metteur en scène s’est autorisé une liberté de ton qui surprend : une balade musicale aux résonances métalliques invite le spectateur à découvrir un univers sonore dans lequel, saynètes et chansons, alternent avec rythme. Alban Guyon campe un Jean la chance d’une grande sincérité, tout comme sa partenaire, Clotilde Hesme, qui interprète une Jeanne touchante et juste.
 
This early, unfinished piece by Brecht (based on a popular tale by the Brothers Grimm) is performed as a high-energy, live show. Musicians and actors serve up a kind of tract on social behaviour intended for the gullible, the rebellious, and the optimistic ... Lucky Johnny is the story of a simple man who wanders around the world, and loses everything he owns in encounters with opportunists and rogues. The director indulges a striking latitude of tone: a musical ride featuring echoing electric guitars takes the viewer to a noisy universe in which playlets and songs alternate at a lively tempo. Alban Guyon portrays a convincingly sincere Johnny whilst his partner, Clotilde Hesme, gives us a Jeanne who is both natural and moving.
 
Mis en scène : François Orsoni, Musique : Tomas Heuer Avec : Suliane Brahim, Alban Guyon, Clotilde Hesme, Tomas Heuer, Thomas Landbo Production : Théâtre de NéNéKa (1 rue du Dr del Pellegrino - 20090 Ajaccio). Coproduction : Mains d’Œuvres, Collectivité Territoriale de Corse, Lazaret Ollandini et Ville d’Ajaccio

photo : Huma Rosentalski

 

Participants internationaux :

 

Ismail MAHOMED, Directeur, National Arts Festival, Grahamstown, Afrique du Sud
Malcolm PURKEY, Directeur artistique, Market Theatre Foundation Johannesburg, Afrique du Sud
Anja DIRKS, Directrice artistique, Festival Theaterformen Braunscheig & Hanovre, Allemagne
Christian WATTY, Correspondant pour la France, Internationale Tanzmesse nrw, Düsseldorf, Allemagne
Karlien VANHOONACKER, Assistante de programmation, Kunstenfestivaldesarts, Bruxelles, Belgique
Hugo DE GREEF, Conseiller pour les projets culturels européens, Ministère belge de la culture, Bruxelles, Belgique
Sylvia BOTELLA, Rédactrice en chef, Revue Scènes, Bruxelles, Belgique
Emmanuelle NIZOU, Conseillère artistique, Les halles de Schaerbeek, Bruxelles, Belgique
Ludovica RICARDI, Production et diffusion, Charleroi danses, Charleroi, Belgique
Julia GOMES, Directrice, Cena Cultural Produçoes, Sao Paulo, Brésil
Armando FERNANDES NETO, Animation culturelle, SESC Sao Paulo, Pinheiros, Brésil
Marcelo Felipe MOREIRA DE ASSIS, Directeur, Festival International des Arts de la Scène Salvador de Bahia, Brésil
Mark LAWES, Directeur artistique, Théâtre Junction, Calgary, Canada
Michael BOUCHER, Directeur de la programmation culturelle, Simon Fraser University, Vancouver, Canada
Danièle DE FONTENAY, Directrice artistique, Usine C, Montréal, Canada
Sylvie TESTE, Directrice générale et artistique, Les Escales Improbables de Montréal, Canada
Loreto ARAYA, Responsable de programmation, GAM / Centre Culturel Gabriela Mistral, Santiago, Chili
Weida GE, Assistant manager, Shanghai Lidong Culture & Art Enterprise, Shanghai, Chine
Dajun LUO, Directeur adjoint de la programmation festival FNTC, Théâtre National de Chine, Pekin, Chine
Maja-Stina Lovisa JOHANSSON WANG, Metteur en scène, Théâtre Mecooon, Shanghai, Chine
Shuting XIN, Productrice, Mecoon, Shanghai, Chine
Ana Marta RODRIGUEZ PIEDRAHITA, Directrice, Festival Iberoamericano de Teatro de Bogota, Bogota, Colombie
Fernando CERON, Directeur des relations internationales, Centre Dramatique National, Madrid, Espagne
Matthew LYONS, Conservateur, The Kitchen, New York, Etats-Unis
Eva Maarika SCHMITZ, Programmatrice, Stage Festival Helsinki, Nettersheim, Finlande
Jonna STRANDBERG, Conservatrice, Kiasma Théâtre, Helsinki, Finlande
Eva NEKLYAEVA, Directrice, Baltic Circle International Theatre Festival, Helsinki, Finlande
Katia ARFARA, Directeur de la programmation Danse et Théâtre, Onassis Cultural Center, Athènes, Grèce
Christiana GALANOPOULOU, Directrice artistique, MIRfestival, Athènes, Grèce
Beata BARDA, Directrice artistique, TRAFO, Budapest, Hongrie
Nissar ALLANA, Directeur du festival The Dramatic Art & Design Academy, New Delhi, Inde
Loughlin DEEGAN, Directeur artistique, Ulster Bank Dublin Theatre Festival, Dublin, Irlande
Gavin QUINN, Directeur artistique, Pan Pan Theatre, Dublin, Irlande
Isabella LAGATOLLA, Directrice de l'organisation, Festival delle Colline Torinesi, Turin, Italie
Sergio ARIOTTI, Directeur, Festival delle Colline Torinesi, Turin, Italie
Luca MAZZONE, Directeur, Teatro Libero Incontroazione, Palerme, Italie
Luca DINI, Directeur, Pontedera Teatro, Pontedera, Italie
Stefania LO GIUDICE, Production Manager, Fondazione RomaEuropa, Rome, Italie
Sandrine MINI, Attachée culturelle, Ambassade de France, Rome, Italie
Edoardo DONATINI, Directeur, Teatro Metastasio Stabile della Toscan, Prato, Italie
Lorenzo GLEIJESES, Directeur du Festival, Festival Quirino Revolution MAD, Italie
Robert LACOMBE, Directeur, Institut Français Tokyo, Tokyo, Japon
Kyoko IWAKI, Conseillère artistique / journaliste indépendant, Tokyo, Japon
Yoshiji YOKOYAMA, Programmateur du festival, SPAC-Shizuoka Performing Arts Center, Shizuoka, Japon
Courtney GERAGHTY, Chargée de le danse et du théâtre, Institut Français Tokyo, Japon
Paul MATTAR, Directeur, Théâtre Monnot, Beyrouth, Liban
Audra ZUKAITYTE, Directrice artistique, Festival "Sirenos" / Oskaras Korsunovas, Vilnius, Lituanie
Mark YEOMAN, Directeur artistique, Noorderzon Festival, Groningen, Pays Bas
Annemieke KEURENTJES, Programmateur Théâtre et Danse, Holland Festival, Amsterdam, Pays Bas
Joanna PANCZAK, Chargée de la communication web, Malta Foundation, Poznan, Pologne
José Luis FERREIRA, Directeur artistique, Sao Luiz Teatro Municipal, Lisbonne, Portugal
Ricardo CARMONA, Directeur artistique, Alkantara, Lisbonne, Portugal
Francisco FRAZAO, Programmateur théâtre, Culturgest, Lisbonne, Portugal
Cristina GRANDE, Programmation des arts vivants, Fundação de Serralves, Porto, Portugal
Nicoleta BRANISTE, Directeur du festival Temps d'Images, Collectiv A, Cluj, Roumanie
Ekaterina KOPOTUN, Directrice artistique adjointe, Theatre Jeunesse d'Arkhangelsk Festival, Arkhangelsk, Russie
Alexey PLATUNOV, Responsable des relations internationales, Theatre Festival "Baltic House", St Petersbourg, Russie
Vera MATVEEVA, Directrice, théâtre Lensovieta, Saint-Pétersbourg, Russie
Barbara SUTHOFF, Directrice de la diffusion, Théâtre Vidy-Lausanne, Lausanne, Suisse
Véronique FERRERO DELACOSTE, Directrice, far° festival des arts vivants, Nyon, Suisse
Gustavo ZIDAN, Producteur artistique, La Cuarta, Montevideo, Uruguay